#CINE: El Olivo, la eternidad de las raíces // *****

El Olivo estaba rodeado de vida, porque él había dirigido la vida de una familia generación tras generación. Dos mil años reflejan los recovecos de su eterno tronco y la brillantez de sus pequeñas hojas, desafiando hasta la luz de sol. Esa plantación representa mucho más de lo que puede creerse a simple vista. Y no es por su fascinante belleza, por el reflejo de la fuerza inmutable de la naturaleza, ni tampoco por su legado milenario. Para Alma, una joven de veinte años y un fuerte carácter salvaje, lo es todo. Todo por su ausencia, esa ausencia que también se ha llevado los recuerdos de su abuelo.

Porque desde que el padre y el tío de la muchacha decidieron vender dicho Olivo para abrir un restaurante, su abuelo se apagó como lo hacen las brasas arrojadas al río. Y Alma sintió que tuvo que crecer muy deprisa, que tuvo que trabajar duro, anclada en el más absoluto resentimiento hacia su padre por haberle arrebatado lo que más amaba. Para ella, los recuerdos son tan vívidos... tanto como ausentes para el anciano.

Y de esta forma, cuando la rutina no parece tener escapatoria, y el dolor y el miedo de perderlo para siempre le provocan un sufrimiento demasiado intenso, en ella se desata la locura. Arrastra a su tío y a su amigo Rafa a un viaje hacia Alemania para recuperar el Olivo. Esos dos días de camino servirán, sobre todo, para ir juntando las piezas de unos sentimientos que la rompen, para redescubrirse a sí misma y para ayudarla a enfrentarse a una realidad innegable.

El film es, simplemente, espectacular. El tinte puramente costumbrista, juntado con una estética pura, sin condecoraciones y natural, lo hace ser grande. Anna Castillo se muestra como una actriz feroz, desgarradora y hermosa en todas sus facetas. Su mirada siempre está perdida en el horizonte, mirando más allá. Sus pupilas están plagadas de aquello que se perdió y ansía recuperar. Además, las cicatrices de una relación desgastada y mustia con su padre la hacen querer imponerse a la necesidad de perdón.

El Sol amenaza con caerse. Con caerse. Con caer. Ella quiere mantenerse imperturbable como un tótem ante cualquier adversidad. Se cree grande, pero se siente pequeña, diminuta. Alma agarra la vida con uñas y dientes, porque es una de estas personas pasionales dignas de admiración y valentía. No se resigna a perder las raíces, las mismas que las de su Olivo.

Sobras las palabras para recomendar esta historia sobre un abuelo sin recuerdos, un Olivo perdido y una nieta coraje.

Brillantemente sobrecogedora.

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#CINE: De tu ventana a la mía, arte poético en estado puro (obra maestra) // *****

"De tu ventana a la mía" es Arte Mayor, un film imprescindible, prácticamente perfecto, que ha abierto una brecha nueva y demasiado atractiva en el Séptimo Arte como para ser ignorada como tal cosa. Condensa en su sencillez pura la historia de tres mujeres, tres dolores, tres historias, tres ventanas. Cada una pertenece a su tiempo, años difíciles y claves en la historia tan turbia de nuestro país. Paula Ortiz, exhibiendo una sensibilidad pocas veces hallada en el cine, ha creado algo difícil de definir... pero extraordinario.

Los símiles con "Las horas" son inevitables. Y, tal y como ocurre con ella, creo que para degustarla, para disfrutarla, para comprenderla, hay que haber soportado tal angustia, tal dolor, tal límite en el alma. Felices, pues, aquellos que no la lleguen a sentir, aquellos que no la lleguen a entender . Porque, probablemente, no sepan qué es lo que pretende transmitir Paula Ortiz con estos tres crudos y vivos retratos. Posiblemente, jamás puedan asimilar las infinitas realidades que en ellos se condensan.

Violeta, año 1923 en plena dictadura de Primo de Rivera. Recluida en con su padre y asolada por una enfermedad psicológica debido a la muerte de su madre, la vida de la joven transcurre entre tarros de mariposas, flores arrancadas con hermosura y peces enjaulados en el agua.

"Háblame para que no se duerman mis sentidos"

Inés, año 1941. Franquismo. Ir en contra de las ideas establecidas está crudamente penado. El regreso de Paco parece volver a otorgar luz a su vida, pero cuando su marido es encarcelado, las sombras empiezan a asolar de nuevo a una mujer condenada.

"Que me sé tu calor de memoria. Por si un día te vas o te escondes"

Luisa, año 1975. La libertad, después de toda una vida de luto, parece empezar a olerse por las calles. Pero ella siente que nunca ha vivido... pero es algo de lo que tan sólo se da cuenta cuando es diagnosticada de cáncer de mama, y su reloj vital empieza a precipitarse.

"Dame un beso como en las películas"

¿Unidas? Sí. De ventana a ventana. De esas miradas que se pierden en el infinito y de la dolorosa respiración. De llorar en silencio, o de llorar tan fuerte que quiebra el alma, que rompe el viento. Hay un hilo de tejer, que teje la vida, y que la rompe. Un hilo blanco que, por momentos, se tiñe del color de la sangre derramada, o la sangre de las horas que se evaporan como una maldición. ¿Y la felicidad? La felicidad no está hecha para ellas. Parece que su vida, su existencia, está maldita, está oscura. Apenas tiene luz.

"De tu ventana a la mía" es una explosión de arte sin precedentes. Una nueva forma de contar historias, de hacer cine, de hacer teatro, de homenajear la poesía, de entender la hermosura de la mujer y de ahondar en sus complejos sentimientos. Es una reflejo voraz del paso del tiempo y de la ignorancia del alma a tal hecho. Es un canto al amor, al amor perdido, o al amor nunca encontramos.

Bebe, Paula Ortiz, de su amor por uno de los dramaturgos más importantes de la literatura: Federico García Lorca. En el film encontramos claras referencias a "La casa de Bernarda Alba", "Yerma", "Bodas de sangre". Infinidad de retazos que la directora refleja con un acierto milimétrico que es imposible de ignorar.

Es hasta doloroso que una película tan extraordinaria, tan poética, hermosa y humana sea tan duramente ignorada en el mundo del Séptimo Arte. Clasificada como "cine de mujer" es, con total certeza, una de las historias más hermosas, dolorosas e inolvidables que he tenido el gusto de disfrutar, doler, oler, sentir, palpitar y vivir. 

Imprescindible, única.

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#CINE: La habitación (Room), el cautiverio desde los ojos de un niño // ***** (OBRA MAESTRA)

Discretamente grandiosa.

Esto llevaba a pensar el tráiler promocional de "La habitación (Room)". En él, la voz en off de un niño llamado Jack describe cómo es su mundo, que se reduce a un puñado de metros cuadrados en un zulo, mal ventilado y sin iluminación. Allí es donde ha nacido y ha crecido junto a su madre, y las esporádicas visitas del señor Nick, que obligan a Jack a esconderse en el armario.

Tenía que llegar un film inspirado en las terribles historias que hace pocos años salieron a la luz en el país austriaco (recordemos la terrible historia de Natasha Kampush, en cautiverio más de ocho años; y a Elizabeth Fritzl, secuestrada en el sótano de su casa por su propio padre), pero creo que lo ha hecho de una manera tan humana y tan real, escapando del drama fácil y anclándose a una nueva forma de ver el mundo: los inocentes y maravillosos ojos de un niño.

Jack es un niño feliz en sus cuatro paredes junto a su madre. Ve el cielo a través de un tragaluz en el techo, saluda a su mesa, sus sillas, su planta, su pileta, al retrete, al armario. Hace collares con cáscaras de huevos y, de vez en cuando, él y su madre hacen un pastel. También ve la televisión, pero ésta, cree, no es real. Lo único real es su habitación, dónde se siente protegido y aislado del "mundo".

Esta idealización de su realidad es gracias a su madre. Brie Larson deja atrás la comedia y se convierte en Joy, una joven que lleva encerrada siete años, secuestrada cuando tan sólo tenía diecinueve. Para proteger a Jack, haciendo un alarde de fortaleza desmesurada, idea e inventa un mundo inocente y libre de maldad para él. Para su hijo, todo aquello es la realidad que conoce... y eso le permite mantenerse feliz.

La crudeza de este retrato se impone a la belleza de su guion, con una explosión de ingenio desbordante. El film es una historia dura, de las más duras que pueden verse en la gran pantalla y, sin embargo, el toque dulce produce escalofríos. El impacto de esta contraposición es brutal y casi traumático, como un experimento. Además, el espectador lo es a través de los ojos de Jack, pero siendo consciente de la verdad que tal mundo se esconde. Es inimaginable de sentir todo lo que "Room" guarda en su pequeño interior.

Fascinante film, que remueve el interior de mil formas distintas. De palpable ansiedad y de visible hermosura. Una experiencia cinematográfica sin precedentes que, sin lugar a dudas, ha dado la vuelta al séptimo arte.

Magia pura. 

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#CINE: La belle saison (Estío), la eternidad del verano // *****

El cine francés responde con contundencia a la falta de libertad y a la repulsa social que "La vida de Adèle" causó en el séptimo arte de uno de los países con una calidad cinematográfica más cuidada y elegante. Está claro que aquel film de Kechiche marcó un punto de inflexión sin retorno, abrió una gran brecha entre la transgresión y la hermosura. Una nueva corriente en el arte en general nació gracias a la ganadora de Cannes, y ahora comienzan a nacer los frutos.

"La belle saison" recupera este espíritu liberador y necesario, trasladándonos al París de 1973, a los movimientos feministas y transformadores que se estaban llevando a cabo en ese momento, luchando contra lo gris y lo establecido. Delphine, luciendo una belleza muy natural y un físico poco habitual en el cine, deja atrás su dura vida como campesina en la granja de sus padres y se traslada a la ciudad en busca de independencia económica y real, después de que su relación clandestina con una chica en su pueblo hubiera fracasado.  Allí, los engranajes del destino, la harán cruzarse con Carole, una fuerte parisina de 35 años que, junto con su compañero Manuel, lidera varios movimientos pro-mujeres, mostrando un coraje poco habitual. 

Amarse en una ciudad hace que Delphine se sienta libre y poderosa, pero un revés del destino la obliga a sacrificarse y regresar a la granja para volver al duro trabajo en el campo. La distancia que se impone entre ambas es demasiado insoportable, así que Carole decide abandonar todo y trasladarse a la casa materna de la joven para permanecer a su lado. Vivirán en sus propias carnes el sabor de lo prohibido, en la Francia más reaccionaria, machista y castiza, donde se nace para sufrir, y no hay cabida para los sueños.

Delphine, anclada por la culpabilidad y su obligación de "honrar al padre y a la madre" vivirá prisionera de su situación, mientras Carole se muestra dispuesta a no dejarse doblegar. Su despreocupación y seguridad, le causará con la joven campesina diferentes problemas, con los que el amor entre ambas tendrá que lidiar.

"Estío" cuenta con todos esos ingredientes necesarios que se echan en falta en "La vida de Adèle". Se libera de los estigmas y fluye con normalidad. La relación entre las dos mujeres tiene un latido propio, y antepone la ternura a la pasión desenfrenada. El contenido sexual procura ser fiel a a la realidad, y lo consigue, endulzando los momentos más íntimos entre ambas mujeres. Pero lo más importante, sin duda, son esas conversaciones largas y sentidas, que tanto se echan de menos en su predecesora y en la aclamada "Carol", exhibiendo una historia de amor lésbica (o deberíamos decir, puramente humana) de manera real, cuidada, hermosa y dolorosa, que rompe contra todos los cánones y todas las normas establecidas.

Uno de los mejores films románticos, frescos y diferentes. Con un componente social importante: el feminismo, la lucha de la mujer, la unión a los padres, la sumisión y la ausencia de libertad. Hablamos de la década de los setenta, pero estos valores todavía son muy necesarios de recordar hoy en día.

Una joya brillante que, espero que con el tiempo, obtenga el reconocimiento y el alcance merecido.

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Puedes verla en filmin por solo 1,99€

#CINE: Palmeras en la nieve, memorias de África // *****

"Palmeras en la nieve" es un homenaje al cine, a su facultad de contar historias, un homenaje al amor, a la vida, al sufrimiento de ésta. Es la recuperación de estos sucesos que pertenecen al pasado, y que a veces nuestra cultura se obceca en olvidar. Es un canto a la memoria histórica, que tanta vergüenza y malestar nos puede causar. Un grito ahogado en medio de una gran nevada, o bajo el terrible sol abrasador africano.

Basada en la novela del mismo título de la autora Luz Gabás, esta película de Fernando González Molina (Tres metros sobre el cielo, Tengo ganas de ti, también con Mario Casas como protagonista masculino) es una auténtica e inolvidable joya cinematográfica, con un latido propio, miles de sensaciones encontradas y centrándose en un argumento que, si bien ha sido muy recurrente en el cine, explota a la perfección otorgándole un enfoque realista y romántico que es absolutamente devastador.

Kilian (Mario Casas) abandona su hogar junto con su hermano para embarcarse hacia la Guinea Ecuatorial, a una antigua colonia española. Allí les espera su padre, donde se cultiva uno de los mejores cacao del mundo. Ante Kilian se abre, de repente, un mundo nuevo y muy diferente al conocido hasta el momento. Con su juventud latente y su inocencia calmada, tras su mirada tímida y su porte alicaído, se esconderá una voluntad de hierro y un corazón enternecido por el amor que se despierta hacia una joven nativa que canta en el río.

Creo que el actor gallego ha limado asperezas con un público que no llega a aceptarlo de todo, exhibiendo una de las interpretaciones más brillantes de su carrera profesional, consagrándose como alguien muy capaz de exteriorizar sentimientos muy extremos con la viveza de un veterano.

La inocencia del muchacho comienza a verse esculpida por la incipiente maldad, el abuso de las autoridades, una política que enfrente a los hombres de diferente color de piel y no le permite disfrutar de la hermosura que otorga la tierra en la que se encuentra. Será difícil para Kilian encontrar su lugar y, tal vez, nunca llegue a hacerlo.

El papel femenino de Berta Vázquez, Bisila ("Rizos" en la serie de televisión Vis a Vis), es fundamental y todo un alarde de interpretación. La temprana promesa del cine, con una belleza fulminante, otorga credibilidad, ternura y fuerza a una mujer fuerte que no quiere resignarse al mundo en el que le ha tocado vivir.

El pasado se entrelaza con el presente, donde Adriana Ugarte, sobrina nieta de un Kilian ya anciano, decide embarcarse en el viaje más importante de su vida y regresar a esa colonia española cuarenta años después, con la necesidad imperiosa de que las historias de las personas maravillosas no sean olvidadas jamás.

Una verdadera obra maestra, con sensacionales escenas cinematográficas, un guion plagado de literatura y cuidado al milímetro. Las casi tres horas de proyección son más que amenas, con un ritmo idóneo pero pausado para que, hasta el espectador más exigente, salga con los ojos brillantes y el corazón vibrante, o roto en mil añicos.

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#CINE: Langosta (The lobster), la crueldad del amor // *****

Langosta es una película que engloba temas tan complejos como la soledad, el amor, la crítica social, la hipocresía. Temas que, por otro lado, son recurrentes en cualquier tipo de arte cinematográfico o literario, aunque nunca hasta ahora había tenido la ocasión de ver tal explosión de originalidad, tal belleza, tal crudeza, tales verdades contadas con tanta lejanía. "The Lobster", galardonada con el Premio del Jurado en Cannes no es un film común.

Plantea una sociedad distópica, que lucha por la normalidad en un mundo plagado de violencia frívola y de falsa cotidianidad: la soltería no está permitida. Para solventar este problema, todo aquel ciudadano o ciudadana sin pareja por diversos motivos (rupturas, viudedad u otros, temas que no se aclaran específicamente en la película, ni tampoco a partir de que edad es obligatorio unirse a un compañero vital) es ingresado en un hotel con otras personas en sus mismas circunstancias, donde comienza una cuenta atrás de 45 días.

Ese cronómetro es el tiempo que los huéspedes tienen para encontrar su otra mitad y poder regresar a la vida civilizada. De no conseguirlo, serán convertidos en cualquier animal de su elección: un perro, un lobo, un caballo, un dromedario...o una langosta.

Bajo esta premisa, y con aparente apatía, el protagonista (un desmejorado Colin Farrell) intenta buscar su lugar en esa extraña situación, con la única compañía de un perro-hermano y pocas habilidades sociales. Para colmo, no es muy habilidoso con la caza de "solitarios", lo único que le permitiría aumentar su vida como humano. Una interpretación de lujo, acompañada por una siempre brillante Rachel Weisz que, una vez más, regresa con poderío y fuerza. Su fresca presencia en el film, para mí, ha resultado imprescindible. Y por cierto, casualidades, también contamos con la peculiar aparición de la chica del pelo azul: Léa Seydoux, que está sublimemente malvada. 

La película es desde luego brillante como pocas que se tienen ocasión de ver. Poderosa e inteligente, con una ambientación cincuentona muy acertada, enmascarada de comedia oscura, con matices de violencia sutiles, o no tanto, e interpretaciones silenciosamente hermosas. Una verdadera explosión de astucia, con un guion original y fuerte. Además, invita al pensamiento individual, el debate filosófico y social está servido para decidir qué crítica realmente el director griego, Yorgos Lanthimos. ¿La crítica a la necesidad del amor? ¿La crítica a la ausencia de amor? ¿Las apariencias? ¿La sociedad impuesta? ¿La falta de libertad? ¿La violencia? Posiblemente se trata de una voraz radiografía de lo que de verdad somos. Tal vez, en realidad, no seamos más que humanos que caminamos, irremediablemente, a convertirnos en cualquier animal.

No dejo de preguntarme: ¿Qué animal elegiría yo en tal caso? 

Un kiwi, tal vez.

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#CINE: La novia, bodas de sangre: belleza // *****

Qué me pregunten por qué me enfado cuando alguien dice que el cine español no es bueno, que no lo ven, porque no lo sienten, porque no tiene calidad, ni medios, ni efectos especiales. Que la música no es buena, que no entretiene. Que no tiene vida, ni alma.

Qué me pregunten por qué me enfado cuando las taquillas de los cines se desbordan ante estrenos comerciales que no son buenos, que no se sienten, que no tiene calidad, pero sí medios y efectos especiales. Y la música viene de la mano de los artistas con más éxitos en las listas de ventas. Pero no tienen vida, ni alma.

Qué me pregunten por qué amo el cine, y qué me pregunten por qué he salido ayer enamorada de "La Novia", de la soberbia dolorosa de Inma Cuesta, de la hermosura brillante y pura de todos y cada uno de sus fotogramas, del recitar de los versos de García Lorca, hasta de sus silencios sepulcrales, de las miradas cristalinas, de los sentimientos que agujerean la piel. Qué me pregunten qué me ha parecido la adaptación al cine de Bodas de Sangre de Paula Ortiz, y diré que todavía no puedo asimilarla en su plenitud.

Desde que comenzó la proyección hasta finalizar, a duras penas pude moverme de mi asiento. Y fue un sentimiento generalizado entre los escasos espectadores que allí estábamos, desterrados en una sala pequeña y sin demasiada afluencia. Pero a nadie le importó, porque los que estábamos allí íbamos a recordar la razón por la que al cine se le llama "El Séptimo Arte".

Derrama sobre el suelo arenoso, lleno de barro y cenizas, tal hermosura, tal belleza, tal desasosiego que mis cinco sentidos no llegaban, no alcanzaban, para disfrutar de esa sintonía de actuación, de guion, de musicalidad, de escenas lentas, de escenas rápidas. De primeros planos y de la lejanía del horizonte sofocado. Y una novia espectacular, una Inma Cuesta que se consagra de nuevo, después de "La voz dormida", pisando la pantalla y devorando los secretos de la actuación. Una gran promesa, que está viva y otorga latido y alma a este film tan maravilloso e inolvidable.

Es un tributo al teatro, a la poesía, a la literatura. Todo esto llevado al cine como nunca antes se hizo, todo esto realizado con un amor real que emociona y que mueve todo dentro. Paula Ortiz se ha atrevido a hacer algo distinto, algo nuevo, algo visionario. Y ha brillado en todo su esplendor, ha cambiado, como lo hizo "La vida de Adele", la concepción del cine conocido hasta entonces, ha surcado un nuevo camino poco explorado que, espero, otro tomen su ejemplo y pueda volver a deleitarnos de tal forma.

Belleza, sin más.

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#CINE: Pride (Orgullo), ¿Hacemos una película llena de vida, ternura, compromiso y unión? // *****

Ya tardaba en ver 'Pride' (Orgullo). Lo cierto es que no conocía al director, y no me había detenido a ver ningún trailer para saber su contenido. Supongo que, realmente, no es necesario. Un título en mayúsculas y todo un catálogo de criticas sorprendentes son toda la carta de presentación que necesito para lanzarme a ver una nueva película. Parece que llevaba un tiempo sin reconciliarme con el Séptimo Arte (creo que el 2015 no ha brillado por el cine que se ha estrenado), pero esta semana no me puedo quejar. 

'Pride' es una película compleja y atrevida. Además, está basada en hechos reales, lo que siempre otorga una credibilidad y una emotividad que va más allá de la ficción. Adoro este tipo de historias, estos homenajes que nos acercan a personajes inolvidables, personas llenas de coraje y de intenciones, que han luchado con todas sus fuerzas para que ahora, unos años después, nosotros podamos recoger los frutos que ellos han sembrado. Únicamente por esta razón, cualquier persona debería dedicar unos minutos de su tiempo a darle una oportunidad. 

La trama comienza en el verano de 1984. Durante el gobierno de Margaret Thatcher, los mineros convocan una huelga general debido a que se encuentran en una situación cruda y extrema. Al mismo tiempo, en la celebración del Día del Orgullo Gay en Londres, un grupo de gays y lesbianas bajo las sigas LGSM (Lesbianas y Gays Secundan a los Mineros) se dedican a recaudar fondos para ayudar a este colectivo obrero. Animado por los resultados, el grupo decide viajar a un pequeño pueblo minero de Gales para ponerse en contacto directo con los mineros. Comienza así una historia sobre un colectivo repudiado en aquel entonces y un sector social reacio a los cambios: dos comunidades totalmente opuestas que se unen en una meta común.

'Pride' habla del orgullo de ser homosexual. De ser obrero. De ser trabajador. De ser padre, de ser madre, de ser hijo. Habla del orgullo de ser humano y gozar de los derechos. Del orgullo de la lucha unida por una buena causa. Del pueblo que lucha por el pueblo. El orgullo de la igualdad, de la no-violencia. Un orgullo que nos debe de recordar que no somos tan diferentes entre sí como muchos siempre han creído. 

Con personajes realmente carismáticos y variopintos, el grupo de gays y lesbianas es entrañable, volátil y con mucha fuerza. Al mismo tiempo, los habitantes del pueblo de Gales son maravillosos. Algunos hoscos y reacios, pero otros tiernos y dispuestos a aceptarlos. Las ancianas juegan un papel que me ha encantado. Tiene unos toques de humor brillantes y muy reales. La crítica social está implícita en cada uno de los fotogramas, adoro que el cine se sienta tan comprometido con la sociedad.

El tema del SIDA también es tratado con bastante acierto aunque sin profundizar demasiado. Una época muy negra para los colectivos homosexuales, víctimas sobre todo del desconocimiento y de la ausencia de investigaciones médicas para determinar cuáles eran los motivos por los que esta enfermedad arrebató la vida prematuramente a muchos jóvenes gays de aquellos años.

Sensacional. Tierna. Magistral. Fuerte. Dura. Feliz. 'Pride' es una película imprescindible para todos los amantes de la vida.

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#CINE: El desconocido, un trepidante thriller rodado en A Coruña // ***1/2

Un buen ritmo, que te mantiene atrapado al asiento. Una trama interesante, con muchos matices. Un reparto bastante aceptable. Una hora y media de film que transcurre, en su mayor parte, dentro de un flamante BMW que recorre las calles más emblemáticas y hermosas de la lluviosa ciudad coruñesa. ¿Y el protagonista? El queridísimo por el público, Luis Tosar (Celda 211, Mientras duermes, Ma ma).

La película se inicial al puro estilo americano. Un estresante desayuno familiar, caótico. El padre, Tosar, encadenado al portátil y al teléfono. La madre, histérica, dando vueltas por la cocina mientras se pone los pendientes, tarea que le lleva bastante tiempo, y da gritos a sus hijos: un adorable crío rubio y una preadolescente malhumorada. Por un extraño motivo, el padre elige llevar esa mañana a los niños al colegio, a pesar de que al parecer es una tarea que habitualmente lleva a cabo su mujer. Sea como fuere, se produce una discusión cargada de tensión entre el matrimonio sin mucha razón de ser. Llama la atención que viviendo en lo que parece ser una urbanización de lujo, con una casa enorme y garaje, el BMW esté aparcado en la calle y, además, se encuentre abierto sin que esto alarme demasiado a ninguno de los ocupantes.

El viaje urbano comienza. Carlos (Tosar) no se despega del teléfono móvil por el que no para de hacer gestiones. Los críos se pelean en el asiento de atrás. Entonces comienza a sonar un segundo móvil en el que recibe la llamada de un 'desconocido' que le advierte que están sentado sobre una bomba y, que si no cumplen todo lo que él les ordena, los hará volar por los aires.

El formato de película imita a 'La última llamada' o 'Buried'. Fotogramas clautrofóbicos que se desarrollan en un lugar clave que, debido a la habilidad del guion, se estiran y dan lugar a una trama cargada de giros (más o menos forzados) y mantienen al espectador agarrado a su butaca, conteniendo la inspiración. En el caso de 'El Desconocido' el lugar en el que se centran los acontecimientos es un vehículo, lo que permite mayor desplazamiento y más posibilidades a la hora de desarrollar la trama. Esto puede ser un arma de doble filo.

A mí, personalmente, me ha gustado, si hago ojos ciegos a las lagunas y a la cantidad de licencias que restan verosimilitud que ha decidido tomarse el director. La mayor parte del público estará tan absorto en que esa bomba no explote que ni se dará cuenta. Supongo que en tal cosa también radica en Séptimo Arte, ¿no? Sí, desde luego. Su mérito tiene, y no se lo vayamos a quitar solo por tratarse de una película española.

Hablemos de Luis Tosar, que se muestra esplendoroso y brillante (eso sí, siendo fiel a su estilo). La agonía que el hombre sufre es, realmente, atosigante y contagia a cualquiera. Sus expresiones faciales, su llanto, sus gritos, son creíbles y realistas. La interpretación de su hija es aplaudible, muy realista y muy lograda. Desde luego la muchacha es toda una promesa. Y otra mención especial para Belén, la jefa de Artilleros, que interviene llegando al ecuador y rompe con esos aburridos tópicos de las películas americanas.

Y, por supuesto, no podemos olvidar el telón de fondo: A Coruña se muestra radiante, un escenario ideal para el desarrollo de la trama. Lugares mágicos de la capital urbana, que harán que los que la conocemos la disfrutemos aún más, si cabe.

En definitiva, una película con buen ritmo, buena trama, ciertas lagunas perdonables, para disfrutar y sufrir al mismo tiempo. No es una obra maestra, pero es digna de ver.


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#CINE: Del revés (Inside Out), las voces de nuestra cabeza // *****

Una brillante apuesta de los creadores de UP (nada menos) para quitarnos el mal sabor de boca del cine de animación de poca calidad que llevan soportando los más pequeños (y no tanto) en las salas de cine.

Del revés (Inside Out) es un inteligentísimo retrato sobre cómo funcionarían los sentimientos en nuestra cabeza, la forma de manejar nuestros recuerdos, la manera en la que se forja nuestra personalidad y, en definitiva, una explicación plausible de por qué nos comportamos así en ciertas ocasiones. 

Cargada de humor (las risas desternillantes están aseguradas) y de suspicacia, esta apuesta de Pixar-Disney está protagonizada por la flamante Alegría, la sombría Tristeza, la soporífera Asco, el irascible Ira y el tembloroso Miedo. Estos cinco aspectos, colores, sensaciones, son los que manejan la vida de Riley en los años fundamentales de su infancia y crecimiento. Todo parece ser sencillo y cargado de felicidad, hasta que en un determinado momento, debido a problemas financieros de sus padres, deben de mudarse. A partir de entonces, estas cinco voces que habitan en su cabeza, se embarcarán en la difícil labor de mantener la cordura de Riley a pesar de las adversidades.

Original, ¿eh? Sí, y además basándose con rigor a las teorías psicológicas sobre el funcionamiento de la mente y los recuerdos. Porque de la mano de Alegra y su equipo de 'expertos' ayudantes recorreremos los fascinantes recovecos de la cabeza y la personalidad de Riley, de una forma ingeniosa e interactiva, didáctica también, que supondrá todo un divertimiento para los más pequeños y una manera de acercarnos a la psicología para los más mayores.

Brillante y fascinante apuesta por parte de Pixar, la aplaudo hasta la saciedad. Estuve sin pestañear durante la hora y pico que dura el film, y sin ningunas ganas de que se terminase. Bravo.

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#CINE: Magical Girl, un vestido para Alicia // *****

Las películas de culto no únicamente pertenecen al cine clásico, no son sólo algo del pasado que ya no existe. Porque, de repente, una película irrumpe en el panorama actual y rompe con todo lo estipulado hasta el momento. 'Magical Girl' es una apuesta, una obra de arte, escrita y dirigida por el talentoso Carlos Vermut, que ajusta su guión con un reparto bien cuidado y enfocado a la perfección para evocar un cuadro hermoso, tétrico, de intereses egoístas y de piezas que rotas que difícilmente se logran encajar.

¿El argumento? Luis, un profesor de literatura en paro, recibe la trágica noticia de que su hija de doce años, Alicia, tiene leucemia y le queda poco tiempo de vida. Desesperado, anhela cumplir uno de los deseos de su hija: la niña quiere el vestido de Magical Girl Yukiko, una serie japonesa. El problema radica en que tal vestido asciende a una cantidad de la que el padre carece. Este inocente y buen propósito es la chispa que desencadena una serie de sucesos oscuros de chantaje y manipulación cuando en la vida de Luis se cruza Bárbara, una mujer con problemas mentales, y Damián, un jubilado profesor de matemáticas.

La originalidad, desde luego está servida. Pero 'Magical Girl' va mucho más allá. La psicología de los personajes es compleja, algo fría, que desconcierta al espectador. En principio, todo lo que se ve despierta un sentimiento de pena y melancolía que se va transformando al mismo tiempo que los personajes van evolucionando. Es un juego complejo y extraordinario. El desarrollo de los diálogos, muy interesantes y bien elaborados, contiene matices muy profundos que sobrecogen y crean un cuadro brumoso que otorga realismo, verosimilitud y una fuerza feroz y desgarradora, que en muy pocas ocasiones se consiguen.

En este cuadro dramático y oscuro se condensa una verdadera obra de culto de nuestro cine español y del cine internacional. Pasando desapercibida entre la cartelera más taquillera y siendo ignorada por los premios más glamuroso, sea, con toda probabilidad uno de los mejores films que se han estrenado en los últimos años. Es fantástico ver, para los amantes del cine, como todavía quedan artistas que aman su trabajo, que anhelan buscar la perfección.

Tal vez 'Magical Girl' se acerca a ella.

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#CINE: Criaturas celestiales, cine indie nuevozelandés de culto // ***** (OBRA MAESTRA)

Hay grandes joyas del cine que, sencillamente, desconocemos. Y que llegamos a topar con ellas por caprichos caprichosos del destino, ese que dicen que no existe, y que probablemente sea cierto. Desconocía completamente la extistencia de este extraodinario film, que se cataloga como Cine de Culto Nuevozelandés Ultraindependiente.

Navegaba yo por el portal de cine Filmin (un lugar donde se pueden ver infinidad de títulos, sobre todo de cine menos comercial, por un precio que oscila desde 1€ a 3€), y en el que suelo buscar pequeños tesoros desconocidos. Pasando con cierta parsimonia infinidad de portadas, me pareció reconocer a un jovencísima Kate Winslet, lo que me resultó extraño. Por pura curiosidad, me metí en la ficha de la película y me llevé una extraodinaria sorpresa. 

Sí, en efecto, se trataba de una jovencísima Kate Winslet (Titanic, Revolutionary Road, El lector...). De hecho, se trataba del debut de esta gran actriz en el mundo del cine. Y, para más inri, de la mano de nada más y nada menos que de Peter Jackson (El Señor de los anillos, King Kong), una época en la que aún se dedicaba a rodar films más independientes que aspiraban a hacerse un hueco en la gran pantalla. La otra actriz protagonista, Melanie Lynkey, pudimos verla en numerosos papeles secundarios (El bar coyote, Up in the air...).

La película data del año 1994, y está basada en hechos reales acontecidos en la ciudad de Christchurch (Nueva Zelanad) entre los años 1950 y 1953. Cuenta la historia de Pauline, una chiquilla tímida y cohibida de catroce años, nacida en el seno de una familia humilde. Pauline, traba amistad con una nueva compañera de su colegio, una exótica y vivaz británica llamada Juliet (he aquí el debut de Winslet). Ambas empiezan a unirse por unos lazos muy estrechos que traspasan el límite de una inocente amistad, y comienzan a crear un mundo de fantasía propio e íntimo, mientras trabajan a la par en una novela.

Obviamente, la película trata el tema de la homosexualidad, considerada aún por aquel entonces una enfermedad terrible (incluso peor que la tuberculosis que sufre la pobre Juliet). Pronto, las dos jóvenes, que comparten momentos realmente exquisitios, con escenar poderosamente bellas y diálogos asombrosos, se ven confrontadas con la realidad que les toca vivir: Sus padres se oponen completamente a esa amistad que consideran insana.

El film es complejo, y esconde tras de su aparente inocencia, un mundo de simbología, con una banda sonora espectacular y hermosa; y unas interpretaciones sencillamente increíbles. Juliet y Pauline, que son ajenas a todo lo que las rodea (o quieren serlo), exploran hasta la saciedad los sentimientos que las unen, entre el mundo de fantasía y los problemas que las aquejan. Sobreviven entre el dolor y la felicidad que sienten al separarse y al unirse, y poco a poco desarrollan una unión que nada parece poder romper.

Y hasta aquí puedo leer. Simplemente magistral, simplemente una obra maestra, simplemente perfecta. Os animo encarecidamente a que la disfrutéis y la viváis, pues se trata sin duda de una de las imprescindibles para los amantes de Séptimo Arte y, ¿Por qué no? de la vida misma. Y el amor.

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Her: Un sistema operativo con la voz de Scarlett Johansson /*****

Theodore (un bigotudo y cabizbajo Joaquin Phoenix) es escritor. Un escritor de cartas, cartas emotivas, cartas de amistad, de perdón, de amor, de súplica, de verdades. Enfundado en una camisa rosa y unos pantalones beige, escondiendo su mirada penetrante tras una sencilla montura, abandona su puesto de trabajo para dirigirse a una realidad que encuentra vacía, y carente de todo lo que él en realidad necesitas.

Solo, hundido, golpeado por una rotura que no es capaz de superar, que lo machaca todavía. El recuerdo de su ex mujer (bellísima Rooney Mara) está latente en él, forma parte de su latido. Por la noche, antes de dormir, piensa en ella y la sueña.

La historia se desarrolla en un futuro cercano (o en una realidad paralela), con una estética casi ochentera, pero sumamente atractiva. Los toques de ciencia ficción son brillantes, cuidado y escrupulosos, integrados en una sociedad atrapada (y enamorada) del mundo de la tecnología. A mí entender, empleados de forma muy ingeniosa y muy adecuada, sin forzar, sin abusar, de la manera justa. Este es el envoltorio de una historia que nos enamorará por completo.

Así arranca Her (A Spike Jonze love story, reza el cartel oficial), de forma vacía, manteniendo al espectador en vilo, sin saber qué va a ocurrir a continuación. Desde el primer momento, la química con el protagonista es evidente. Se despierta una poderosa ternura y compasión hacia él. Se aprecia un hombre débil, infantil, abandonado. Inmediatamente, deseas cruzar la pantalla y darle un abrazo conciliador. Un personaje muy humano desde el principio hasta el fin, el principal pilar de esta obra magistral.

Un buen día, adquiere un nuevo sistema operativo de Inteligencia Artificial que ha salido al mercado. Llega a su casa, lo libera de su envoltorio con cuidado y lo enchufa a su ordenador personal, con aires despreocupados. Es aquí donde conocemos a Samantha (con la preciosa y sensual voz de Scarlett Johansson), una personalidad que aparecerá únicamente en forma de voz, y que acompañará a nuestro solitario escritor de ahora en adelante, hasta hacer que toda su anodina vida cambie radicalmente.

Pero Her es mucho más que esto. Mucho más que personajes cautivadores, mucho más que una cuidada puesta en escena, mucho más que un film rico e innovador. Her es una grandiosa historia de amor, de las que se disfrutan, de las que se sienten, de las que no se olvidan, de las que te conmocionan, de las que envidias la historia, de la que te gustaría vivir, atrapar, sentir de ese mismo modo. De las películas que acabas queriendo, amando y sintiendo por mucho tiempo.

La historia avanza a buen ritmo: lo suficientemente pausada para digerirla correctamente, pero lo suficientemente ágil como para que no resulte tediosa. Es bella hermosa, en todos sus matices. La voz, una maravillosa interpretación de Johansson (una de las mejores de su carrera, y sin duda una de las más inolvidables) encandila no solo a Theore, sino también al espectador. Esta variopinta pareja nos acompañará por esta historia, nos hará reír con ellos, llorar con ellos, conversar con ellos, destrozarnos con ellos, recuperarnos con ellos, echarlos de menos, sentirlos muy cerca, casi respirar. Cada instante de Her se siente, se vive. No es un film, va mucho más allá. Consigue muchísimo más que otras de sus competidoras, sin grandes despliegues de ñoñería, sin grandes tópicos sobre el amor.

Her alcanza otra forma de entender el cine, como manera de plasmar la vida sin tapujos, sin barreras, sin temor, sin perjuicios. La plasma de manera honesta, sin mentiras, sin decoraciones, tal y como es. Una brillante y espectacular película que trasciende sin poderlo evitar, convirtiéndose en una de las historias de amor que, como sucede con La Vida de Adèle, difícilmente podrán olvidarse jamás.

Crítica publicada en www.cinemaverick.es

La Vida Azul de Adèle\*****

Durante los meses de espera, desde que se conoció que ‘La vida de Adèle’ había arrasado en el festival de Cannes, la polémica a la par que la fascinación de los afortunados que ya habían tenido la oportunidad de verla, no hacía más que empujar mis ansias y deseos de conocer qué se escondía detrás de esta película francesa.

De nada han servido las ideas que me había formado de lo que iba a ver. Creía a ciencia cierta que, tal vez me gustase, pero dudaba que pudiera llegar a sorprenderme realmente. Cuando por fin adquirí mi entrada de cine para saborear lo que Kechiche había puesto tanto empeño en contarnos sobre esa bonita joven, dudaba poder salir de la sala sintiendo algo nuevo.

Pero desde el principio hasta el final, la película que da vida a la novela gráfica ‘El azul es un color cálido’ no se parecía a nada de lo que hubiera visto hasta ese momento. En pocos segundos, ya me sentí que formaba parte de la película, como si Adèle y el espectador tuvieran los mismos ojos. Y no, no tan sólo ves lo que ella ve, si no que sientes lo que ella siente en todo momento, como una conexión difícil de explicar. La evolución de los personajes y de sus sentimientos es, simplemente indescriptible. Por momentos el film es tan sumamente hermoso, o tan sumamente doloroso, o tan sumamente maravilloso que deja sin aliento, mientras te dejas enfrascar en una vida que, unos segundos antes de entrar a la sala, te era completamente ajena.

Tampoco he sentido nunca el amor tan palpable en el cine, y que Adèle y Emma sean dos mujeres termina siendo lo menos importante, para sumergirnos en lo que a todos nos gustaría fuese nuestra propia historia, y posiblemente lo sea en cierta parte. Se necesita muy poco tiempo para que la calidez de amor azul de estas dos hermosas mujeres hipnotice al espectador de principio a fin. La literatura tiene un peso importante, que Kechiche usa, a mi parecer, muy hábilmente para lanzar mensajes importantes, como guiños ingeniosos. Selecciona grandes obras de la literatura y pasajes realmente acertados, en un marco muy elaborado y muy apropiado. La pintura y el arte, como se entiende, también tiene un sentido a la par de significativo durante toda la película. Si bien es una de las partes que más late, lo importante no es la pintura en sí, sino todo lo que esta arrastra tras de sí.

Nada en La  vida de Adèle sucede por que sí.

El sexo entre la joven de mirada perdida y la chica del pelo azul, lejos de hacerse pesado, constituye una de las piezas más intensas y preciosas que constituyen este magistral trabajo, dejando en evidencia otras muchas escenas entre sábanas. Kechiche, ayudado de unas interpretaciones inmejorables, nos muestra otra forma de verlo: como la expresión máxima de los sentimientos y el amor, entre dos personas que se aman, que se buscan y se anhelan, y que no sienten ningún tipo de pudor.

Los tintes de dolor, amor, felicidad, lágrimas reales, conversaciones intensas y variopintas situaciones, que juegan con la fuerza emocional de un espectador que se tiene un indiscreto por momentos, constituyen en esta película una obra del séptimo arte diferente, a unas alturas del cine que se creía difícil lograr sorprender. Al terminar ‘La Vida de Adèle’, simplemente pude pensar en que probablemente no volvería a ver nada igual en mucho tiempo.

AGOSTO: EL VERANO MÁS GÉLIDO DE MERLY STREEP / ****

Una biblioteca, un vaso de whisky, un anciano, una entrevista de trabajo y una Merly Streep desgarradoramente envejecida, luciendo calva y vestida con un halo de desencanto hacia su decadencia personal. 

Así, como una sonora bofetada, comienza Agosto, de la mano de uno de los directores de la serie Shameless, John Wells. El film está basado en la exitosa obra de teatro del mismo título escrita por Tracy Letts. Y como no podía ser de este modo, todos los amantes del espectáculo teatral, podrán disfrutar más intensamente el placer de esta sucesión de diálogos machacadores, de situaciones desquiciantes y de dolor palpable en cada una de las miradas y situaciones.

La historia se desarrolla en la mansión descuidada de Los Weston, un matrimonio anciano que a duras penas puede soportarse, encerrado bajo las angostas persianas eternamente plegadas, y sumidos en la penumbra constante. La desaparición del padre Weston, dejando a su trastornada mujer a solas con una criada que detesta, es el detonante para el desarrollo de una trama que no tiene un inicio determinado, ni un final preciso. Pero tampoco lo necesita.

La llegada de la familia Weston, principalmente las tres hijas y sus correspondientes familias, arrancan toda serie de sentimientos contrapuestos al espectador. Indudablemente, los Weston refleja cualquiera de nuestras familias, tal vez ahí radica lo más duro y doloroso de Agosto.

La hermana mayor, una brillante Julia Roberts, sumida en una depresión aguda es, para mí, el personaje que más peso tiene después de Streep. El enfrentamiento de sentimientos, de discusiones, de golpes sonoros, de gritos mudos que se producirán entre madre e hija, anudan un fuerte nudo en el corazón, son la llama más viva, el núcleo culmen. Las dos actrices lo absorben todo, haciendo gala de sus más profesionales y sinceras dotes interpretativos. Su facultad casi intrínseca de embriagar al espectador con una simple mirada de soslayo, un pestañeo de los párpados, o lágrimas secas escurriendo por las mejillas maltratadas por el paso del tiempo.

El resto del reparto, sin embargo, no desmerece nada a estas dos estrellas. Destacaría a la hermana mediana, Julianne Nicholson, por su aparente calma y sosiego, y la profunda tristeza y remordimiento que transmite... posiblemente el personaje más tierno de la familia Weston, y el que más empatía me ha despertado aunque carezca de la fuerza de sus competidoras.

Enriquecida de diálogos, largos, sincericidas, trágicos, crueles, fríos y gélidos. Con toques de comedia negra ingeniosos, que no hacen más que dar más énfasis a un drama incurable. La soledad es la principal característica de esta familia. Una familia rota que juega a unirse con lazos inexistentes. Una familia que odia con la misma intensidad que ama. Que guarda secretos que no quiere desvelar, que no otorga perdón alguno, que no siente compasión. Una familia egoísta, que no se preocupa de los demás. Y una familia que vive sólo para ella misma. Es una película cruda, que machaca hasta lo más íntimo, que desmiembra nuestros propias fantasmas y que nos obliga a plantearnos muchas cosas olvidadas.

Una apuesta atrevida pero, a mi juicio, totalmente acertada. De estas películas que parece que las personas se han olvidado de ver, de demandar, de estos films que se extrañan en las carteleras más habitualmente. Estos que ahondan en nuestro corazón y conciencia, y en los que seguimos pensando al dejar la sala de cine.

Crítica en CineMaverick

Cine: Blancanieves (2012)

Película española, con la particularidad de tratarse de una pequeña obra de arte en blanco y negro, en versión muda, como un precioso homenaje al cine clásico. La historia es una particular versión del popular cuento de los hermanos Grimm, ambientada en la españa andaluza, el mundo del toreo y la cultura del baile.

 

Espectacular Maribel Verdú en su papel de villana, consagrándose desde hace tiempo como una de las grandes del cine español. La Banda Sonora que acompaña las emotivas secuencias es espectacular y muy acertada. Los subtítulos son muy escasos, y no entorpecen la secuencia de las imágenes.

 

Lo mejor: Los enanitos.

Lo peor: El mundo del Toro (aunque con ciertos indultos positivos).

 

Nota: 7/10