#CINE: Techo y comida, el estado del bienestar // ***1/2

"Techo y comida" es uno de estos films agónicos que incomodan, y mucho. Su fin no es recrearse en el Séptimo Arte, ni ofrecer una película de culto. No, su única meta es la denuncia socio política de un problema más que real: el paro, la falta de medios económicos y las pocas (o nulas) ayudas del Estado para estas situaciones de exclusión social.

Es Natalia de Molina, ganadora del Goya a mejor actriz, quien salva el trascurso del largometraje de manera bastante airosa. Interpreta a Rocío, una madre soltera, sin trabajo ni medios económicos, que ocupa un alquiler que no puede pagar y alimenta a su hijo con bocadillos de salchichas y vasos de leche rebajados con agua. A ella rara vez tenemos el gusto de verla comer. Se presenta ante una tesitura límite, a la que no sabe cómo hacer frente. Da la impresión de que Rocío está demasiado bloqueada cómo para actuar, apenas pone empeño y la sociedad tampoco le ayuda abrirse camino.

Se crea una atmósfera claustrofóbica, que nos hace removernos en nuestros sillones y apartar la mirada de nuestros televisores de plasma. De repente, nos damos cuenta que ese sándwich que devoramos sin darnos cuenta es un lujo, y que ese café caliente también. Porque para Rocío, y para su hijo Adrián, prepararse un plato de patatas fritas con una hamburguesa es asistir a un restaurante de alto nivel.

Refleja el gran vacío burocrático al que personas pobres y sin recursos tienen que enfrentarse. A la total y absoluta incomprensión de un sistema del "bienestar" que no encuentra maneras de ayudar a quiénes no tienen cómo ganarse la vida. Los organismos públicos se encogen de hombros con incomodidad, se escudan en conversaciones triviales y lo lamentan sin sinceridad. Pero mientras tardan seis meses en concederle cien euros para comer al mes (¡¡100€!!), Rocío tiene que conseguir alimentos, champú y zapatillas para su hijo pequeño.

"Techo y comida" se trata de un cuadro crudo que refleja una realidad actual y vergonzosa. Y dolorosa. Sin embargo, no logra crear esa empatía necesaria, ni tampoco esa sinceridad. Lo que pretende ser un reflejo costumbrista, se queda vacío y sin alma. El guion de una vida está poco explotado, y cabría esperar algo más.

Sin embargo, he de decir que este tipo de proyectos son muy necesarios para la conciencia social. No estaría mal que los políticos que gobiernan nuestro país se tomasen una hora y pico de su vida en verla. O, mejor aún, en experimentarla.

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#CINE: La dama danesa, la mujer que nació en los cuadros //***

Es complicado posicionarse de un lado o de otro cuando considero que películas como "La dama danesa" son necesarias y casi obligatorias de ver en nuestros días. El cine de las grandes pantallas, con atisbos de compromiso social y acercándonos historias extraordinarias es más bien escaso. Normalmente para ver un film sobre la transexualidad hay que conformarse con cine independiente, que a veces no cuentan con la calidad que nos gustaría. Así que es digno de tener en cuenta que los diarios de Einar Wegener se hayan adaptado al sector cinematográfico más potente.

Es difícil para mí, pues, encontrarme en la tesitura de ver que dicha película es un "Sí... pero no", casi avergonzante y de un tono bello que roza la frivolidad y escapa del realismo. Y no, tampoco es necesario que todas estas secuencias formen parte del cine de autor costumbrista, por supuesto, pero la verosimilitud y cierto compromiso social serían dignos de tener en cuenta, ¿o no queremos incomodar a nadie? Ya. No olvidemos que esto es Hollywood, juguemos a ser atrevidos... pero no. Huyamos de las críticas controvertidas y de hacer que nadie se sienta afligido por reflejar algo demasiado crudo. 

¿Cómo suavizamos el tema? Con una exasperante relación de amor entre Einar y Gerda que se alarga durante los primeros cuarenta minutos, en un tono dulzón y, lo peor de todo, repetitivo. Y además, con una fotografía delicada y espectacular, casi tanto como soporífera. Los personajes siempre reflejan un aspecto impoluto, con trajes limpios y radiantes, incluso cuando se hayan encerrados en su cuarto de pintura durante días. 

No tarda en ser palpable que la interpretación de Eddie Redmayne se va a quedar ensombrecida por la espectacular Alicia Vikander, la auténtica protagonista del film sin lugar a dudas. Y es que el actor que dio vida a Stephen Hawkings sobre actúa demasiado con sonrisitas repentinas y miradas al vacío que es difícil saber interpretar. Vikander no se lo come, lo devora absolutamente. Es ella la que realmente logra empatizar con el público cuando debe enfrentarse a la radical metamorfosis de Einar en Lili.

No sé si este enfoque del sufrimiento de la esposa de Einar es premeditado o surgió sin más, pero resulta molesto que el drama se centre en cómo Gerda pierde a su marido en lugar de la dureza y valentía que tiene que asumir el pintor al verse atrapado en un cuerpo que no es el suyo. Sí, lo dicho. Que si, pero que no. Que la película es atrevida, pero no tanto... no tanto cómo podría ser.

El melodrama dulce tiene a destacar algunas escenas que podría clasificar de brillantes de las que esperaba que fuera a estar plagado. Eddie hace una interpretación sublime durante un puñado de minutos en las que contempla su cuerpo desnudo (a duras penas podemos ver sus partes íntimas, eso sí) buscando los rasgos femeninos que tanto anhela. Pero es Gerda la que nos sobrecoge con coraje, con emotividad y con fuerza, algo que no es discutible.

En resumen, "La dama danesa" es una película que pretendía ser arriesgada pero se sitúa en una tesitura cómoda y poco comprometida. Exasperadamente decorada, pretendiendo buscar la perfección, no cumple con lo que promete. Aún así, es un film necesario y casi obligatorio para ayudar al público general a la concienciación (aunque de forma suave).

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#CINE: La visita, un entrañable fin de semana en la casa de los abuelos // ***1/2

No soy gran seguidora del cine de terror, pero M. Night Shyamalan suele tener algo interesante que decir en los films que acumula a sus espaldas (con algún pinchado, tal vez, aunque, como todo, esto es discutible). Las críticas le han llovido, muchos la han etiquetado como estafa, han salido en mitad de la proyección y demás. Hace ya unos cuantos meses que en el cine en el que trabajo estrenamos "La Visita" con grandes expectativas y muchas decepciones. Sí que es cierto que esta fue la principal razón por la que me demoré tanto en verla. Pero las tardes de diciembre en casa y con gatos en el regazo invita al séptimo arte.

El formato de la película es el mismo que "REC" y "Monstruoso". Es grabado en primera persona por un vídeo-aficionado, de parte de la 'nieta', uno de los adolescente protagonistas que, junto con su hermano pequeño, quiere grabar un documental casero sobre sus abuelos, a los que van a conocer por primera vez, en un solitario pueblecito ganadero lleno de soledad.

El terror negro-gris y repentino, con sustos bien colocados, situaciones esperpénticas y aterradoras, que nos hacen recordar las noches oscuras de nuestra infancia atormentados por visiones bajo las mantas. Los tiernos abuelos parecen sufrir ciertos desajustes mentales por las noches que les llevan a mostrar actitudes estrafalarias y tétricas. ¿Quién no tendría miedo al ver a una tierna anciana con el pelo canoso cayéndole sobre sus carnes desnudas mientras araña la pared? Y no podemos olvidar el toque de Shyamalan, la comedia en medio de este panorama.

La película es entretenida, con un buen ritmo, interesante, que mantiene al espectador en vilo, con la tensión ahogada de forma acertada. Una forma de grabar diferente y unos actores jóvenes nuevos que aportan frescura a la pantalla, con mucha naturalidad, tal y cómo serían ellos mismos en una situación similar.

Querría limpiar las críticas de la película, que creo que es bastante inteligente y original.

Nadie te querrá como tus abuelos

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#CINE: Los Juegos del Hambre IV, la leyenda del Sinsajo toca su fin // ***1/2

Su predecesora, Sinsajo Parte uno, se trata, sin lugar a dudas, de un film con una calidad sobresaliente, que brilla no solo dentro de las Sagas  Distópicas, sino también en el marco de las películas de Ciencia Ficción y del cine en general, tratándose de una de las apuestas más fuertes y atractivas que la cartelera del año 2014 regaló a los cinéfilos más exigentes. 

Cabía esperar mucho de la última entrega de la original y dinámica saga de 'Los Juegos del Hambre', a pesar de que quién haya leído los libros sabría que esto sería complicado, ya que el cierre literario no había sido muy brillante. Todas las expectativas y esperanza en rescatar ese guion un tanto torpe y atropellado estaban puestas en Jennifer Lawrence, cuya personalidad en la pantalla es tan desbordante que su fuerza, su carisma y su talento han sobresalido con creces en cada una de sus apariciones (cuanto más si la película se puede saborear en su Versión Original).

Creo que Sinsajo 2 cumple con su cometido, pero sin brillar ni causar una impresión fuerte en el espectador poco conformista, y tal vez decepcione un poco a los fans de la Ciencia Ficción, porque es un ingrediente que se diluye demasiado en esta taza de café amargo. Casi podría decir que el género que más destaca es el bélico, convirtiéndose por momentos en una versión alternativa de 'Salvar al soldado Ryan' (salvando las distancias, por supuesto). He de decir que las partes más guerreras me han resultado repetitivas, poco desarrolladas y muy catastróficas.

Con este telón de fondo arranca el capítulo final: un Panem devastado, peligroso y apocalíptico. El film es gris, muy negro. Transcurre en su mayor parte con rostros pálidos, ojerosos y asustados. El miedo es palpable en este Estado de Guerra peligroso, donde las muertes de civiles se cuentan por millares, la traición está a la orden del día y no hay de quien fiarse. Da la impresión de que todo esto baila alrededor de la indiscutible protagonista Katniss Everdeen, que aparece con cierta indiferencia y una determinación ya común en ella. Un personaje que, en esta entrega, se muestra demasiado muda en comparación con la garra ardiente (en llamas) que mostró en anteriormente. Tal vez nuestro Sinsajo se encontraba desencantado. O tal vez sus pensamientos eran demasiado abrumadores.

Peeta Mellark hace su aparición como chico torturado, desequilibrado, que provoca una compasión irrefrenable cada vez hace su intervención, un tanto repetitiva y poco evolucionada. Diré que el actor parece haber madurado mucho, sus rasgos se han vuelto más adulto y su seguridad es más patente. He visto buena química con Josh Hutchersonl y Jennifer Lawrence.

Lo más llamativo y aplaudible de la película es sin duda, un final apoteósico, duro y épico del que es imposible escapar. Si el ritmo del film es tedioso, repetitivo y abrumador, durante los últimos cuarenta minutos se convierte en algo trepidantemente crudo. El drama catastrófico inunda la pantalla, las atrocidades de la guerra, la maldad y la traición desfilan frente a las pupilas de la dos veces ganadora de los Juegos del Hambre, mientras el horror va destrozándola poco a poco. 

Creo que 'Los Juegos del Hambre' es una saga digna, decente y muy recomendable. Ahonda en temas tan importantes como la sociedad y la política. Una serie madura y adulta, con una fuerte y dura crítica. Rompiendo tópicos y con una feroz y brillante protagonsita femenina.

Katniss es, sin lugar a duda, el mejor sinsajo a seguir.

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#CINE: Luna en Brasil, la poeta que se enamoró en Río de Janeiro // ***1/5

Curioso, interesante y demoledor puede ser lo que encontremos tras la biografía de los artistas más famosos y aclamados de la literatura universal. Es triste ver que, además, el arte culmina cuando el dolor es tan intenso que no deja lugar ni a respirar. La vida se rompe, la entereza también, estalla el mundo conocido y todo se impregna de oscuridad.

Elizabeth Bishop escapa de su vida en Nueva York para dar una visita fugaz a una amiga de la infancia. Ésta, vive en un lugar escondido de Brasil junto a su pareja: una arquitecta de renombre nacional con un carácter extrovertido y enamorada de la vida. Arte con arte, Elizabeth y la arquitecta, Lota, terminan por unir sus corazones y vivir una historia de amor sincera, peligrosa y extraordinaria que, no únicamente fue la causante del premio Pulizter por su poemario 'A Cold Spring', si no también del parque de Río de Janeiro famoso y reconocido como Patrimonio de la Humanidad.

Es realmente increíble lo que los films nos pueden enseñar sobre las realidades de la vida que nos rodea, que a veces la cultura y la sociedad se empeñan en velarnos los ojos. El amor lésbico entre Elizabeth y Lota nos acerca en esta película brasileña un nuevo concepto de hacer cine, basado en los silencios, en los planos lejanos, en los giros de guion sin miramientos y en la soledad del escritor. Porque el arista es, sin más, un alma torturada, que no parece encontrar nunca la felicidad, que tema al sufrimiento, y se condena a la pérdida de su propia realidad.

Sin embargo, a pesar de la historia extraordinaria, la película está llena de carencias. El director no ha sabido explotar toda la hermosura posible en sus manos. 'Flores Raras' no refleja ni la mínima parte de los sentimientos reales, de los motivos abrumadores y de la pesadilla en la que puede convertirse la depresión, el alcoholismo y los sueños rotos.

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#CINE: Tomorrowland, interesante distopía pero maltratada por los tópicos de Disney // ***

Escapa bastante de las sagas soporíferas y comerciales que los aficionados al cine tenemos que sufrir. Disney ha hecho esta interesantísima apuesta sobre una distopía social: un viaje al futuro, o un lugar del futuro, en el que se concentran las mentes más brillantes, prodigiosas y soñadoras. Por cierto, los conspiranoios de los Iluminati tienen que estar frotándose las manos, porque la teoría de las dimensiones (densidades) y el control de las mente mundial queda latente en el guion... ¿Un posible guiño del legado de Walt Disney, tal vez? No tardarán en salir esas teorías de las mentes más desconfiadas.

Es hasta ridículo decirlo, pero es la verdad. 'Tomorrowland' supera con creces a 'Interstellar' (ya sabéis, la película sobre batman astronautas que viajan al espacio de Christopher Nolan) en cuanto a teorías, explicaciones y eficiencia. Y con eficiencia digo, que el ritmo y el desarrollo es vertiginoso, inteligente, nada tedioso y entretenido. Vale, es verdad, no podemos olvidar que se trata de una película de Disney, para todos los públicos, rebosante de optimismo, amor real, buenas intenciones y moralejas por todas partes. Sí, pero todo esto con un atractivo visual extraordinario, unos personajes diferentes, muy bien delimitados, con mucha fuerza en escena. Esto último referido sobre todo a las dos protagonistas femeninas (George Clooney sobra del todo, lo siento), que en más de una ocasión me han arrancado una risita y mi empatía hacia ellas se ha disparado.

Diré que el inicio es espectacular y difícilmente mejorable. Los primeros 30 minutos de la proyección son exultantes, agarran al lector y llenan su visión de imágenes extraordinarias, de suspense en su justa medida y de anhelos de saber qué más. Se habla de las ya mencionadas teorías, pero sin que esto llegue a ser cargante ni tedioso, si no de forma comprensible. Sin embargo, es una verdadera lástima que al final, cuando se espera lo épico, lo trascendental, el globo de Disney se pinche y eche a volar con un chirrio molesto.

El malo malísimo Dr. House se convierte en otro de estos molestos tópicos del villano. Las peleas y las explosiones sobran y aburren. La moraleja final es tan tópica que resultaba doloroso ver como en cuestión de segundos se cargan las casi dos horas de fotogramas absorbentes. Es una verdadera lástima que estos errores finales me impidan otorgarle una mejor cualificación.

Os animo, sin embargo, a ir a verla. Entretenimiento asegurado, diferente y fresco. Hacen más apuestas de este tipo. La recomiendo y no me importaría volver a verla. Interesante.

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#CINE: A cambio de nada, enternecedora y pura... pero irregular // ***

Daniel Guzmán ha dirigido y escrito 'A cambio de nada' con el corazón. Esto no es discutible. Cualquier espectador con nociones de cine que se acerque a una sala a ver este film lo sentirá, lo verá. Este tipo de sentimientos se palpan y es entonces donde nace la magia del cine (digamos de autor) más independiente, más castizo y más sincero. Un cine sin tapujos, sin despliegues de medios, sin maquillaje. Como una fotografía de la realidad, una realidad distorsionada que a Dario, el protagonista, se le presenta muy difícil.

Donde radica la hermosura de 'A cambio de nada' es en una cuidada y pulida verosimilitud en las interpretaciones, muy enfocadas al teatro. Increíbles y realistas, desde luego, haciendo principal hincapié en Dario (Miguel Herrán) y Luismi (Antonio Bachiller) que debutan en la gran pantalla con un despegue que no podía ser mejor. Los hechos se desarrollan en un Madrid turbio, donde las oportunidades se tuercen y la vida es complicada para el ciudadano de a pie. Dario, que lidia a duras penas con el divorcio de sus padres, se convierte en un superviviente que parece querer huir de su realidad y buscar la salida por diferentes caminos. Pero, en realidad, nada es 'a cambio de nada', pues todo termina teniendo un precio a pagar.

Las principales carencias radican en el argumento en sí. Está claro que no se trata de un guión extremadamente complicado, ni sería necesario, pero se nota el transcurso del film un tanto desestructurado lo que crea incomodidad y cierta indiferencia a medida que avanzan los minutos. Digamos, que el film es disperso, que no centra su tronco en nada, lo que termina siendo exasperante un confuso para el espectador. Varias historias secundarias se van sucediendo, con la aparición de diferentes personajes, pero que no empiezan en ningún momento ni terminan de forma correcta. Esta es la principal carencia que le he encontrado, y lo que me impide puntuarla de forma más generosa.

Sin embargo, ha resultado una sorpresa y la he disfrutado. Un buen cine español, de compromiso social, complejo psicológicamente y que denota sinceridad y realismo. Recomendable para todos los amantes de la cultura cinematográfica más real.

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#CINE: Little Galicia, comedia gallega en Nueva York // ***

Little Galicia es una little gran historia, una película hecha para los que aman su tierra pero están lejos de ella. Una cuento con humor sobre los reveses de la vida y el ingenio en situaciones catastróficas. 

Me ha despertado ternura desde el primer momento, peco de amor a mi tierra, pero esos lugares puramente gallegos, las calles de piedra, los vecinos cotillas, el cielo encapotado, el color verde vivo como nunca, me evoca demasiados sentimientos positivos. El carácter puramente gallego de los actores, el acento auténtico y sin complejos de un pueblo que ama su forma de sentir, me ha hecho gozar como pocas veces de una comedia de estas características. Una especie de Ocho Apellidos Vascos con denominación de origen.

Carlos, un cara dura mujeriego, enreda a un amigo que atraviesa por un momento delicado, para pasar un fin de semana juntos en la Gran Manzana. A su llegada al otro continente, Carlos se las apaña para desaparecer y Gonzalo debe hacerse pasar por él en unos compromisos familiares. Cual puede llegar a ser su sorpresa de encontrarse con un trocito de Galicia en el corazón de los rascacielos, como si nunca hubiera abandonado sus raíces, y como si estas lo hubieran acompañado.

A partir de ahí, comienza un enredo de traspiés, sucesos, desdichas e hipérboles que provocarán risas sinceras sin grandes alardes de grandilocuencia. Destacar, a mi querida Mabel Rivera, con su gesto maternal, su cercanía al espectador y su amor por la interpretación. ¿Qué puedo decir? Crecí viéndola en la televisión, ver un rostro tan conocido para mí en la gran pantalla es todo un lujo.

Es verdad que el film arrastra el lastre del bajo presupuesto, los pocos medios y un guión un tanto torpe en ocasiones. No es una gran obra maestra pero si un cuadro tierno, muy divertido, intensamente gallego y cargado de buenas energías.

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#CINE: Relatos Salvajes... ¿El Black mirror argentino? // ***1/2

"Relatos Salvajes" ha sido un film aclamado por la crítica internacional y por los cinéfilos de todo el mundo. Desde su estreno, no he dejado de recibir recomendaciones de mis más allegados para que la viera ya que 'a ti te gusta eso del cine'. Casi me tomo como un desafío esa frase... El caso es que esta película de nacionalidad argentina, llevaba mucho tiempo en mi lista y me alegro de, por fin, haber sacado un hueco para verla.

Pero, ¿Qué es "Relatos Salvajes"? Es un conjunto de seis episodios breves, con diferentes personajes y argumento, que llevan al ser humano a su lado más vil y destructivo, empujándolos a la barbarie. Situaciones cotidianas y triviales se convierten, por un pequeño paso, es un caos.

He de decir que el argumento me llamaba la atención. No se le puede negar su originalidad. Pero dicha temática y formato me hizo acordarme inmediatamente de 'Black Mirror' la famosa y transgresora serie formada por unos breves capítulos que narrar algo similar a 'Relatos Salvajes': situaciones esperpénticas dentro de la realidad más común. Eso sí, el film que ocupa esta entrada en el blog, tiene la elegancia y la astucia propia de cine argentino: el carácter pasional, la hipérbole de los sentimientos, la complejidad de las relaciones humanas, etc. Y, también, cabe destacar la puesta en escena de cada una de las historietas que no escatima en detalles (algunos desagradables) para poner al espectador en situación.

Hay 'episodios' que me han gustado más que otros, los cuales no voy a detallar porque podría demoler por completo el final. Sin embargo todos (a excepción de uno), me han dejado bastante satisfecha en su inicio, desarrollo y desenlace. Además, me han mantenido en expectación, con el corazón apretado y con el interés puesto en la pantalla. Podemos decir que esto es lo que, por lo menos, podemos pedirle a un buen film que se precie.

No me arrepiento de haberla visto. Aunque es verdad que no es mi temática predilecta, he conseguido disfrutarla y vivirla. Un buen trabajo y una nueva pequeña joya del cine.

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#CINE: Los días no vividos, las últimas horas de la humanidad // ***

Una película de Caña Brothers, una apuesta de cine indie español, de muy bajo coste y con un título otorgado por uno de los temas más exitosos del famoso grupo 'Love of Lesbian'.

Los días no vividos es un cuadro soleado de diferentes personajes conectados entre sí que viven las últimas 24 horas de la vida humana. Saltándose un poco de verosimilitud, el hilo argumental se centra más bien en una silenciosa y agónica espera de un grupo de personas variopinto que esperan, cada uno con sus demonios, la llegada del inevitable apocalipsis. Pero, eso sí, olvidémonos de el típico despliegue de medios, el ejército y la bandera de los EE.UU hondeando al aire. Esta no es la finalidad del film.

Diría que podría tratarse de un ensayo cinematográfico de calidad media (baja). Presenta una vertiginosa vorágine de sentimientos que se transmiten de forma aceptable y hacen partícipe al espectador de tal agonía. El ambiente está bastante logrado, lo suficiente para hacer reflexionar al ser humano sobre la inutilidad de su propia existencia ante las fuerzas de la naturaleza. Con sendos diálogos, no muy realistas, pero interesantes, conocemos las personalidades de David, Jaime, Silvia, Teresa y Lucía, y otros secundarios que tienen su mayor o menos relevancia.

Este experimento ha pasado con más pena que gloria, pero debo de reconocer que merece mucho más la pena que otras grandes producciones cinematográficas que aplastan la gran pantalla y se llenan los bolsillos con recaudación fácil. Es una verdadera lástima que a este tipo de apuestas no se le de también su oportunidad.

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#CINE: Big Hero 6, enternecedor nuevo hérore de Disney&Marvel // ***

La diferente apuesta de Disney para las Navidades del pasado año 2014, y fruto de la absorción de Marvel (que brilla completamente en el film) viene de la mano de un adorable y enternecedor robot blandito que robará los corazones y las risas de todo aquel que se deleite en la película. Si "Rompe Ralph" ya fue poderosamente aclamada, "Big Hero 6" no se ha quedado indiferente a nadie.

Aclamada por la crítica y aplaudida por los espectadores, más jóvenes y más adultos, podría definirse cómo una acertada apuesta cinematográfica que muestra una forma diferente (¡Por fin!) de hacer cine de animación, rompiendo (un poco) con las reglas soporíferas y preestablecidas por los soporíferos guiones melodramáticos que debíamos de soportar casi con toda seguridad en el repertorio Disney.

Si bien es cierto que no deja atrás los tópicos que por excelencia lo definen, introduce fórmulas nuevas que dan frescura y originalidad a sus personajes. Un estilo más desenfadado, menos formal, y más atrevido, hacen de esta película un inolvidable divertido y entretenido, que no aburrirá, y difícilmente decepcionará, tanto a los amantes del cine infantil como a los fans incondicionales de Marvel.

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#CINE: BIRDMAN, la inesperada virtud de la ignorancia //***

No sé qué decir. No sé si BIRDMAN me ha apasionado, me ha encantado, me ha enamorado, o me ha defraudado en todos sus aspectos. No sé si me he quedado maravillada después de ver el film o, por el contrario, me he sentido completamente estafada ante tal sucesión de ridiculeces.

Sí, vale, es pretenciosa. Es pretencioso el cartel, la idea, la publicidad y el título (ese subtitulo de <<la inesperada virtud de la ignorancia>> que pretende imitar los títulos de las novelas de Kundera). Y, por supuesto, también es sumamente pretencioso el reparto de actores. Y sin embargo, hay evidente calidad detrás de cada una de las interpretaciones, el guión, la puesta en escena, la ambientación, estética, filtro, colores, lágrimas, sentimientos y repetición repetitiva. Hay como una fuerte confrontación de impresiones al disfrutar (u odiar) a BIRDMAN en la gran pantalla. ¿Cisne Negro de Natalie Portman? El film recuerda en cierto modo a este, pero añadiéndole comicidad en lugar de drama psicológico (esto es una comedia-drama psicológico). En todo lo demás, casi podrían ser gemelas. La obsesión del artista, el pavor ante la invisibilidad, las relaciones familiares, la tortura, las alucinaciones, la esperpéntica visión de la realidad y la predicibilidad. Y... ¡¡¡SPOILER!!!... beso lésbico gratuito y sin sentido incluido (como el de Kunis y Portman). 

La actuación de Keaton es sublime. La de Norton espectacular y despreciable. Zach Galifianakis demuestra que puede hacer un papel serio y todo (sin escapar de la etiqueta de mejor amigo gordito). Andre Risebourough sobra. Amy Ryan es muy forzada. Emma Stone es un personaje volátil, cumple su función de la chica mona. Naomi Watts sobra por momentos, por otros brilla. Tenemos una sopa de muchos sabores, por un lado está muy salada o muy sosa, y por el otro está exquisita. ¿Qué es esto? ¿Un batido pasado? ¿Una tabla degustación de ibéricos? En pocas ocasiones me encuentro tan perdida ante los sentimientos que ha provocado en mi un film... No sé si eso es bueno, o es malo. O... ¿Una estafa?

Amo la escenas teatrales, adoro el teatro. Están logradas, me gusta verla desde la perspectiva del actor. En esos momentos brilla, como en los diálogos desengranados. A veces, de repente, pierde la fuerza para recuperarla de una patada. Otras juega al engaño (desengaño), de forma poco hábil y torpe. Pretende gustar, pretende ser buena, pretende ser una obra maestra, y eso chirría. Sí, ese es su principal defecto. Pretende buscar ese éxito, ese prestigio (como el propio Keaton en su papel de Birdman)... Qué original, o qué patético. 

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#CINE: Cosmpolis, la arriesgada adaptación de Cronenberg de la novela de Don DeLillo // ***

El famoso director de 'La mosca' (1986) y de 'Un método peligroso' (2011) ha apostado fuerte por la adaptación de la novela 'Cosmopolis', una obra de controvertido Don DeLillo muy crudamente criticada.

 Eric (Pattinson) da vida a un joven millonario que viaja en limusina que se dispone a cortarse el pelo en su barbero favorito. Sin embargo, el caos se apropia de la ciudad de Nueva York. El capitalismo se tambalea, los anarquistas se manifestan en las calles y cientos de personas buscan asesinarle. Con esta permisa, Eric atraviesa la ciudad protegido dentro de su flamante limusina donde, a lo largo de la película, recibe diferentes visitas con las que conversa largo y tendido.

Podría tratarse de una radiografía social, con diálogos forzados y artificiales, en el que el director busca, con demasiado obviedad, la trascendencia de ideas y opiniones. El protagonista se muestra gélido, turbado y frío, pero su personalidad parece varias dependiendo de la compañía en la que se encuentre. Su actitud egocéntrica y aturdida recuerda muchísimo a su interpretación de Edward Cullen (¿Está el apuesto Pattinson encasillado?).

La crítica ha acogido muy negativamente el film. Desde luego, Cronenberg se muestra fuertemente pretencioso, haciendo que en muchas de las secuencias la trama chirríe emasiado. Además, resulta larga, tediosa y soporífera por momentos. Sin embargo, el filtro visual es sobresaliente, como también lo es la ambientación lujosa (ya que gustaría a Christian Grey) y los guiños tecnológicos. Pero la belleza de la película en su originalidad.

No recomendada para todos, ni siquiera para los fans del aclamado director; ni tampoco para las adoradora del apuesto Pattinson. Únicamente para aquellos que no les importe malgastar una hora y pico de su vida en ver algo que fácilmente se olvidará, pero que resultará interesante.


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#CINE: INTERSTELLAR, Grandilocuente y pretenciosa; pero carente de calidad // ***

Cuesta creer que sea el mismo director de Memento, El truco final o la famosa y aclamada trilogía de Batman: El Caballero Oscuro, sea el mismo que trajo a nuestras pantallas la casi insultante Origen y, en una línea parecida, Interstellar.

La película ha sido poderosamente aclamada por la crítica, tanto profesional como aficionada. He leído frases que proclamaban que es "Prácticamente perfecta..." "La película del siglo" "Inmejorable" y pretenciosidades varias. Y es que Nolan siempre ha sido un pretencioso, pero un pretencioso con tintes de serlo, uno de estos directores que suponía un sello asegurado de calidad con cine comercial, que no defraudaba, que amaba lo que hacía. Es una verdadera tragedia cinematográfica que todavía, a día de hoy, se siga utilizando al espectador de ignorante integral vendiéndole un bombón reseco en envoltorio de oro.

El encuadre no podía ser mejor: Matthew McConaughey (que hace poco nos deleitó en Dallas Buyer Club) como protagonista, acompañado de dos sumas bellezas del cine, Anne Hathaway (que ya trabajó con Nolan como Catwoman, y que simplemente, brilló con todo su esplendor en Los miserables), y la soberbia Jessica Chastain (La noche más oscura). 

Y no solo podía presumir de un reparto espectacular (y de moda, como no): la premisa de una nueva película de ciencia ficción para borrar el mal sabor de boca que nos dejó Elysium (Matt Damon también hace un cameo en este film, lo digo para que no os asustéis porque su intervención es sumamente absurda) u Oblivion. Prometían esos carteles futuristas, esas naves espaciales, el vacío del universo, los agujeros de gusano, la teoría de la relatividad... ¡Y además tenemos drama familiar incluido! ¡Oh, por los Dioses Cinematográficos! ¿Qué más podíamos pedir?

Pero no. Christopher Nolan tenía los mejores ingredientes en la palma de su mano, pero no termina de ser un buen cocinero. La sopa le ha quedado insulta y el pavo se le ha quemado. Y el postre era demasiado pesado. Aunque hay que reconocer, eso sí, que hay escenas que individualmente son espectaculares y prometedoras, que visualmente tiene partes que quitan la respiración y que durante ciertos fragmentos te olvidas de que tan sólo estás en una sala de cine. Pero esta sensación pronto se evapora. El guión en ocasiones es tan torpe, atropellado y forzado que me provocaba dolor de cabeza. Más de una vez, suspiré aletargadamente por el cúmulo de tópicos que he tenido que sufrir (y que, lo siento, no puedo consentir, no a estas alturas).

Podría seguir citando muchos defectos y escasas virtudes. Pero en realidad millones de espectadores caerán en las redes del encanto de un gran despliegue de medios económicos de publicidad y de efectos especiales. Muchos se olvidarán de que le están dando gato por liebre. Otros repararán en los defectos y errores de Interstellar, pero se quedarán tan embobados de la historia que ni siquiera se acordarán al salir. 

Y otra parte, aquella parte que exige, que crítica, que quiere más de este negocio multimillonario... Esa parte del público (tachada a veces de "quejica" sin causa) creará una entrada indignada en un blog, o publicará su opinión en filmaffinity. Expresará su indignación hasta la saciedad. Pero, pobrecitos, somos unos incomprendidos. 

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#CINE: 10.000 km, documental sobre una relación a distancia // ***

10.000 KM fue una de las películas españolas más aclamadas de este año. Por momentos, incluso parece que realmente el cine con sello de nuestro país está floreciendo, con ideas diferentes y atrevidas, como con frescura y originalidad. Eso, como cinéfila, me alegra y me motiva. Siempre es un placer poder contar entre los estrenos de éxito cine de acá.

Supongo que eso es lo que más me ha gustado de 10.000 KM. Se trataba de una fórmula original, atrevida y un nuevo modelo de cine íntimo y silencioso (carece de Banda Sonorosa prácticamente). Nuevas caras entre los actores protagonistas (por favor, que alguien tome nota de que hay más artistas) y un juego de idiomas muy fluido y que le otorga un toque más próximo a la realidad.

Alex (a la que conocemos por papeles secundarios en Juego de Tronos o en Harry Potter) recibe una oferta de trabajado de un año para EEUU, justo cuando ella y su marido, Sergi, intentan tener un bebé. Tal cambio radical en sus vidas, comienza a hacer mella entre la pareja que presumía de siete años de relación sólida. Los portátiles, el skype, facebook y whastapp serán, a partir de entonces, la única forma que tendrán de darse o besos o de abrazarse.

Posiblemente, Carlos Marqués-Marce, sabía lo que quería mostrar, pues para los que hemos vivido (desgraciadamente, o afortunadamente) una relación a muchos kilómetros, encontramos en los guiños, situaciones, diálogos y sentimientos los matices  propios de este tipo de amoríos distanciados. Por eso mismo, considero que, mínimamente, este film cumple... como documental.

En el tema de cine más artístico, más visual, no ha terminado de cuajar. Ha sido somnolienta, repetitiva, insulsa y hasta, podría decir, inconclusa. Y finalmente, se espera un final que no termina de llegar, o no al menos como el espectador necesitaría para disfrutar de las últimas dos horas que se acaba de tragar de Sergi y Alex sufriendo frente al ordenador. 

Por eso mismo, y con una decepción de estas gélidas, tengo que decir que 10.000 KM no es una película excepcional, ni que haga brillar al cine de nuestro país. Pero es una experiencia curiosa si alguien desea saber los entresijos complejos de este tipo de relaciones.

LO MEJOR: Las situaciones verídicas.

LO PEOR: No termina de evolucionar.

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#CINE: BOYHOOD (Momentos de una vida), los fotogramas de Mason // ***1/5

"Mamá, ya sé como se crean las abejas..."

Richard Linklater comenzó a rodar este ambicioso film (y, si se me permite, un tanto pretencioso) en el verano del año 2002, y finalizó en agosto del año pasado. Doce años en la vida de Mason (el encantador Ellar Coltrane), un proyecto que ha sido poderosamente aclamado por la crítica como "Obra maestra", aplaudiendo su potencial, su hermosura y su trascendencia real. 

Sin embargo, a primera vista, la película no puede ser más simple: La vida de un niño desde los seis años hasta su época universitaria, con todo tipo de peripecias, dramas, momentos felices y días negros. Pero tras todo esto, se esconde un mar de posibilidades (y tantas, dado que la película roza las tres horas de duración): diálogos profundos, inquietudes superfluas, fuerte crítica social, opiniones políticas, la guerra, la crisis laboral, etc. De hecho, da la terrible impresión de que le director busca, por todos los medios, crear ese trasfondo magistral sin percatarse de que eso es algo que no se puede forzar... porque en el momento que se fuerza, chirría.

Diré que los primeros años en la vida de Mason son espectaculares, y hasta ese momento preciso en el que el muchacho deja su infancia y se convierte en un adolescente perturbado, estaba completamente segura de estar presencia el estreno de una obra maestra (similar a lo ocurrido el año pasado cuando se estrenó "La Vida de Adele"). Pero después, sin magia, el argumento, el transcurso, el guión, los personajes, el ritmo... Todo.. decayó estrepitosamente hasta precipitarse en el subsuelo del aburrimiento y lo monótono (eso sí, sin perder ese halo de pretenciosidad por excelencia).

Su evidente magia se trata principalmente de un espectáculo en el que presenciamos el crecimiento fugaz de la vida del muchacho, de su familia y sus amigos (y si se me permite hacer referencia a lo mismo que podemos apreciar, más acertadamente, en la serie española "Cuéntame cómo pasó...", o en el magistral "El show de Truman"), que es un buen ensayo a la fugacidad del paso del tiempo, a  la pérdida de nuestro yo pasado o al deterioro y desaparición de la inocencia, y con ella la felicidad natural. 

Pero lo más sobresaliente, y tal vez lo más difícil de apreciar, es la crítica enmascarada al ''Sueño Americano". Hace referencias constantes al patriotismo (podemos ver a Mason juran bandera en clase), se detiene en críticas atrevidas a trágico 11S y a la guerra de Iraq, e incluye algún que otro debate de política, apoyando al actual presidente de los Estados Unidos. Y aunque en un primer momento esto puede parecer otro truño americano, si se reposa con calma las ideas y situaciones, nos encontramos que desangra, sin más, el principio que tanto le gusta al cine del otro lado de la gran charca, y lo cuál es una suma utopía en el mundo actual: "Si te esfuerzas en conseguir algo, lo tendrás". Eso, precisamente eso, es un minipunto interesante a favor de BoyHood.

Ahora bien, si comparamos "Momentos de una vida" con otros grandes films del cine europeo, vemos que no consigue, ni de lejos, transmitir, hacer sentir y trascender lo que los nuevos directores vecinos han conseguido. A parte de la ya citada última ganadora de Cannes, también contamos con "Philomena", "Tomboy", "Amour", "De óxido y hueso" o "Carmina y Amén" y un exquistísimo etcétera. Con esto, da la impresión de que "BoyHood" intentaba acercarse a este cine más costumbrista, más social, más cercano. 

Digamos que en ciertas partes lo consigue, digamos que en otras muchas ni se acerca.

LO MEJOR: El crecimiento de Mason.

LO PEOR:  Poca evolución a partir del ecuador del film.

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#CINE: Julie&Julia, Merly Streep a los fogones / ***1/2

Meryl Streep arrastra tras de sí multitud de éxitos, la mayor parte de ellos desarrollando personajes variopintos, diferentes, fuertes y débiles, muy femeninos, o no tanto. Tal vez malvados, tal vez bondadosos. Lo que si que es cierto que la actriz casi siempre consigue dejar a su paso su aroma de merecido Oscar, convirtiéndose en una imprescindible en las nominaciones anuales.

Títulos que nunca olvidaremos los amantes del cine, ni los amantes de la vida, como Memorias de África, Los puentes de Madison, Las Horas, El Ladron de Orquídeas, La Dama de Hierro o la reciente Agosto son de los que nuestra amigable Meryl puede presumir. Y no obstante, entremedias, nos encontramos con pequeñas joyas de este calibre, suaves, que proviene del cine más emocional, de éste que tan sólo quiere contar una historia a quien la quiera escuchar. Acompañada, en este aventura entre cocinas, por la preciosa y tierna Amy Adams (The Fighter, Golpe de Efecto, On the road, La Gran Estafa Americana y futura apuesta de Tim Burton en Big Eyes), y que puede ser una digna sucesora de Streep, que se trata de una joven treiteañera que se propone escribir en un blog como se reta a sí misma a escribir las recetas del libro de cocina de la prestigiosa cocinera Julia Child.

Una película sincera, sentimental. Aún así, tal vez se podría señalar no profundiza demasiado en los personajes, dejando ver de ellos tan sólo una parte de ellos, dejando la otra escondida en las sombras. Los personajes secundarios dan vida y diversión al film, aunque  no terminan de conseguir en ningún momento tener el peso suficiente. Hay historias paralelas que no autoconcluyen, se disipan y eso hace que la película pierda parte de su encanto, características que la alejan de una mayor cualificación.

Muy recomendable para pasar un rato agradable, sonreír, emocionarse, y conocer una nueva forma de cocinar.

LO MEJOR: La historia paralela y la interpretación estelar de Streep.

LO PEOR: Se pulen poco los detalles de las tramas secundarias.

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#CINE: Dallas Buyers Club, cine documental e indie en Cannes (2013)/***

Un tema recurrente en el cine es viajar a los años 80's, al florecimiento negro del SIDA entre los sectores homosexuales y drogadictos de la sociedad del momento. Dallas Buyers Club juega todas sus bazas a una temática curiosa, dura de ver (que a nadie le resulta agradable), en impresionantes caracetrizaciones: resulta que se nos presenta un Matthew McConaughey demacrado y enfermo, y un Jared Leto interpretando a un@ transexual. Pequeñas joyas, pequeños detalles, que conforman un film sólido, de cierta calidad, pero que no termina de cuajar.

A pesar de dramatismo y el sufrimiento que refleja, el guión no termina de motivar, siendo insulso, y poco sorprenderte. El espectador no solo conoce casi de antemano el desenlace, si no que, además, se le explica constantemente las mismas permisas, hasta el punto que resulta repetitiva. El guión se esfuerza en evolucionar, con situaciones variopintas, pero que saben a poco y suceden demasiado deprisa (a pesar de las casi dos horas de duración). 

Personalmente, la aclamada actuación de nuestro queridísimo Leto no ha sido tan impresionante como me esperaba. Si bien ha sido hasta divertido verlo en ese plan, no me lo he llegado a creer en ningún momento. Tal vez exagerado, o tal vez no era el actor idóneo para el papel, pues lo único que lo respaldaba era su propio nombre (y un físico adecuado).

Recomendable únicamente para aquellos interesandos en conocer los entresijos sociales que se vivió en esa dura época de la pesta de VIH que, además, está basada en hechos reales. Para los que buscan ver un buen film, tal vez no encuentren lo que buscan.

LO MEJOR: La interpretación de Matthew McConaughey.

LO PEOR: Es insulsa y repetitiva

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#CINE: X-Men Días del futuro pasado: Otra visión de los mutantes/***

X-men siempre ha sido una de las apuestas de 'Marvel' con más posibilidades, con más diversidad... Con más trabajo en grupo. A mi, personalmente, siempre ha sido una saga que me ha atrapado en todos sus films,  este último no ha sido una excepción.

Brillante, minuciosa y entretenida entrega de los mutantes, eso sí, víctima del emotivismo típico del cine comercial y a rebosar de tópicos por doquier. Muy interesantes y sobresalientes efectos especiales, y una fresca y nueva visión de nuestros X-Men favoritos.

#CINE: Cómo entrenar a tu dragón: Fantasía épica de animación/***1/5

A exactamente un mes del estreno de su secuela, llego tarde a ver uno de los últimos grandes clásicos de DreamWorks.

La historia se centra en un bruto poblado de Vikingos asolado por Dragones. Hipo, que se siente totalmente despegado de la tradición de la tribu de convertirse en un Cazador de Dragones, consigue herir a un Furia Nocturna con una improvisada catapulta (que nuestro Hipo es ingeniero). En el momento de acudir al lugar donde ha caído su presa, se desencadena entre Dragón y Hombre una extraña relación que trastocará completamente la vida del protagonista.

Aún poseyendo los tópicos comunes en las películas de este tipo, lo cierto es que 'Cómo entrenar a tu Dragón', nos da una frescura nueva al cine de animación, como ocurre con la aclamada Toy Story. Muy recomendable para adultos, niños y Vikingos, la historia es rápida, entretenida y dinámica. Su humor un tanto cargante, tal vez, pero que arranca alguna que otra sonrisita.

Digamos que espero con ganas el estreno de la Segunda Parte, que estoy segura no nos dejará indiferente.

LO MEJOR: La frescura de su argumento.

LO PEOR: Los tópicos en el guión.