#CINE: Invencible (Unbroken), las heridas de la Guerra // ****

Una flamante Angelina Jolie se estrenaba como directora en el año 2011 con "In the Land of Blood and Honey", un film bélico sobre la Guerra de Bosnia. Ahora, un puñado de años después, y con la inestimable colaboración de los Hermanos Coen, que firman el guión, Jolie nos trae la increíble y dolorosa historia real de Louis Zamperini. La poderosa y abrasadora vida del Atleta Estadounidense cuño sueño fue empañado por el estallido de la Primera Guerra Mundial.

Ayudada por un reparto exquisito, un ritmo un tanto tedioso, y unos giros argumentales que rozan el infarto, la ex Lara Croft y su equipo, convierten esta película de dos horas y pico en todo un deguste cinematográfico e histórico. Escapando de los tópicos del cine bélico, nos muestra de una manera trágicamente original, las diferentes caras de un confrontamiento mundial que supuso la destrucción de millones de vidas inocentes. Con habilidad y astucia, nos hace llegar la cara más inhumana y sangrienta de un conflicto que cambió la historia de la humanidad.

El apuestísimo Jack O'Connel, y su mirada de un azul intenso, ponen rostro a un muchacho que luchó por escapar de un destino desdichado. Enfrentándose a sus demonios, y después de conseguir alcanzar lo más alto, la vida lo somete a todo tipo de situaciones, torturas y crueldades que, si bien sufre agónicamente, tan sólo consigue hacerlo más fuerte. Más invencible.

Las secuencias del film, arduas y crudas, provocan en el espectador la más profunda rabia y el más intenso desasosiego. Y sin que éstas lleguen a cansar o a aletargar el ritmo, provocan un frenesí intenso de sensaciones contrapuestas que hacen difícil mantener la compostura. No se trata de un drama fácil, si no de la exposición de la crudeza y de la violencia humana, y del afán por sobreponerse, el afán por agarrarse a la vida, por seguir teniendo esperanzas aún cuando todo pende de un frágil hilo. 

Para mi es, sin duda, una de las grandes sorpresas cinematográficas del año, con una calidad notable y un desarrollo impecable. A pesar de las malas críticas y la poca entusiasta acogida, creo que la mayor parte de los amantes del cine bélico o del cine histórico, podrán disfrutar en sobremanera de esta hermosa historia de supervivencia, superación y redención.

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 In the Land of Blood and Honey

#LITERATURA: Piel de lobo, recuerdos, hogueras y fantasmas del pasado // ****

La infinidad de oportunidades de Amazon ha vuelto a sorprenderme una vez más. Topé con esta hermosa novela de pura casualidad, por este tipo de tropiezos del destino que llegan sin avisar. Me llamó la atención, no sé muy bien porqué, el título y la portada. Me parecía que, por lo menos, merecía la pena dedicarle parte de mi tiempo a esta interesante novela.

Dentro de sus páginas, conocí a un escritor nuevo, afanoso de contar historias grandiosas, afanoso de mostrarnos personajes emblemáticos e inolvidables. La novela se desarrolla en un marco inmejorable, un pueblecito de Montaña, cuyo escenario es perfecto para los hechos que acontecen. A ese lugar se dirige Daniel, en compañía de su hija pequeña, tras recibir una misteriosa carta de su padre. Daniel llega al desconocido lugar, intentos buscar respuesta, pero lo que allí encuentra va muchísimo más allá de lo que podría esperar. Pablo, un viejo amigo de su padre, se encargará de contarle a nuestro protagonista, lo que se oculta tras la extraña ausencia de su progenitor durante toda su vida. Pero Daniel también llegará a conocerse más profundamente a sí mismo, descubriendo una parte de su ser que ya creía extinta. 

La narración literaria de Manuel Pérez Recio es, sencillamente, embaucadora. Con un estilo personal, íntimo y pulido, la historia nos hipnotiza sin que apenas podamos darnos cuenta. Una novela que, no solo está escrita con cariño y dedicación, sino que, además, guarda en sí parte de la memoria histórica de nuestro país. La temática entrelazada de Piel de Lobo, su entrañable desarrollo, su frenético y, a la vez, pausado ritmo, hacen de esta obra una pequeña joya de nuestra literatura actual.

Podéis comprarla en Amazon pinchando aquí

#CINE: Cosmpolis, la arriesgada adaptación de Cronenberg de la novela de Don DeLillo // ***

El famoso director de 'La mosca' (1986) y de 'Un método peligroso' (2011) ha apostado fuerte por la adaptación de la novela 'Cosmopolis', una obra de controvertido Don DeLillo muy crudamente criticada.

 Eric (Pattinson) da vida a un joven millonario que viaja en limusina que se dispone a cortarse el pelo en su barbero favorito. Sin embargo, el caos se apropia de la ciudad de Nueva York. El capitalismo se tambalea, los anarquistas se manifestan en las calles y cientos de personas buscan asesinarle. Con esta permisa, Eric atraviesa la ciudad protegido dentro de su flamante limusina donde, a lo largo de la película, recibe diferentes visitas con las que conversa largo y tendido.

Podría tratarse de una radiografía social, con diálogos forzados y artificiales, en el que el director busca, con demasiado obviedad, la trascendencia de ideas y opiniones. El protagonista se muestra gélido, turbado y frío, pero su personalidad parece varias dependiendo de la compañía en la que se encuentre. Su actitud egocéntrica y aturdida recuerda muchísimo a su interpretación de Edward Cullen (¿Está el apuesto Pattinson encasillado?).

La crítica ha acogido muy negativamente el film. Desde luego, Cronenberg se muestra fuertemente pretencioso, haciendo que en muchas de las secuencias la trama chirríe emasiado. Además, resulta larga, tediosa y soporífera por momentos. Sin embargo, el filtro visual es sobresaliente, como también lo es la ambientación lujosa (ya que gustaría a Christian Grey) y los guiños tecnológicos. Pero la belleza de la película en su originalidad.

No recomendada para todos, ni siquiera para los fans del aclamado director; ni tampoco para las adoradora del apuesto Pattinson. Únicamente para aquellos que no les importe malgastar una hora y pico de su vida en ver algo que fácilmente se olvidará, pero que resultará interesante.


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#LITERATURA: El árbol de la ciencia, la filosofía de la medicina // ***1/5

Me resulta muy complicado pensar en realizar una crítica personal acerca de esta obra prima de la Literatura Castellana. Me resulta, de hecho, prácticamente imposible desengranar negativamente sus aspectos que me han resultado menos atractivos y sobresalir aquellos que más me han impactado. Principalmente, porque se trata de una obra crudamente autobiográfica del gran Baroja, escondido tras el personaje de Andrés Hurtado. La profundidad del protagonista es tan inmensa que es muy sencillo perderse en la marabunda de pensamientos, de ideas, algunas terribles e irreverentes... y la mayoría poseídas y dominadas por el desencanto.

El desencanto, el pesimismo (o realismo de aquel entonces) es lo que impera en cada una de las páginas de esta novela. El reflejo de la sociedad es devastador, pero resignado. La carrera profesional que vive Andrés es completamente vacía y carente de ilusión. La situación política es crudamente criticada, así como la falta de actitud del pueblo ante ella. La maldad implícita del ser humano aparece recurrentemente en los numerosos personajes secundarios. El propio protagonista, se muestra en ocasiones como un ser bastante hosco, antipático y sin demasiado afán de socializar.

Para mí, lo más brillante de la novela son las conversaciones que Andrés mantiene con Iturrioz. Son el tinte real de la filosofía plasmada en la obra (que no es más que un profundísimo ensayo filosófico sobre la crisis de 98). Páginas y páginas cargadas de confrontaciones entre ambos personajes, que sirven de explicación para expresar dos ideas muy opuestas, que el escritor defiende con la misma vehemencia.  Pio Baroja recurre al encuentro con Iturrioz para dar a Andrés una tregua en el hastío que siente por su existencia dramática y sin atisbo de luz.

El estilo narrativo es ágil, aunque un tanto caótico y poco descriptivo. No interesa tanto lo qué ocurre, si no el cómo ocurre y las consecuencias que tienen para el protagonista. Por lo que su lectura tampoco termina de ser sencilla, debido a la cantidad de sucesos que se entremezclan vertiginosamente. 

Es, sin duda, un clásico humano e imprescindible. Una obra auténtica, original, que escapaba de los tópicos literarios de entonces (el nuevo florecer literario). Un imprescindible en cualquier biblioteca.

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#LITERATURA: Recordando lo imposible (SAGA IMPOSIBLES)

No solo se conquista lo imposible en las novelas o en el cine. Hay personas, maravillosas personas, que logran conseguir imposibles en la vida real. Eso sí, es primordial el esfuerzo y la constancia, el tesón a la hora de lucha por conseguir algo, el coraje y valentía de postrar todas las fuerzas de las que se disponen para elaborar un algo de la nada.

Escribir una novela es algo similar a conquistar lo imposible. Hacer que esa novela llegue a miles de lectores, que estos lectores se enamoren de los personajes y crearse, así, un hueco en la biblioteca infinita de Amazon es, sin duda, un imposible que llega a ser posible.

Abigaíl Villalba Sánchez nos hizo llegar una historia con un argumento recurrente (el amor de época, el amor imposible) pero de una forma fresca, íntima y personal. Por fin, una literatura diferente, cargada de pasión irrefrenable, de amor inmutable y de eternidad, aterrizaba frente a mí y podía deleitarme, después de mucho tiempo, de un nuevo matiz de novela romántica contemporánea, pero con toda la calidad y hermosura de la literatura clásica.

Imagino que los que estáis ahora a punto de comenzar la lectura de Recordando lo imposible, es porque ya os habéis enamorado, habéis llorado, habéis reído y habéis sufrido con Rose y con Marcus. Conocimos una historia de amor hipnótica, tierna, suave, melódica, enmarcada en el gris Londres de 1853, sumergiéndonos en los tibios sueños de una hermosa joven, de aspecto frágil pero con el corazón de acero. Rose es un personaje que nos ha enseñado a no temer, a proteger nuestros valores omitiendo los impuestos, a conservar la personalidad propia a pesar de todo. Rose rompe con las reglas, las rehace, mostrando una valentía envidiable. Es este personaje femenino, sin duda alguna, el corazón que hace latir Conquistando lo imposible.

 Ahora, en esta nueva historia, secuela de la anterior, los protagonistas cambian. Sin cambiar el alma y la esencia de la misma, como si de una canción de jazz se tratase, Abigaíl nos acerca una nueva forma de entender el amor y el romanticismo, con personajes nuevos, más fuertes, más impulsivos, más carismáticos, tal vez con más garra. Dejamos atrás a Rose, para que sea Geoffrey el alma protagonista de esta nueva y bellísima historia. Un personaje masculino, hosco, huraño y plagado de traumas (una antítesis completa de nuestra querida Rosalyn). Pero Abigaíl se las arregla, no sé qué forma, para que el lector empatice y odie a Geoff al mismo tiempo.

Vemos (leemos) en esta segunda parte de #IMPOSIBLES, a otra escritora, una escritora que vuelve a conectar con sus personajes, con su argumento. Una escritora joven, pero con una literatura madura, capaz de volver a engatusar a los amantes de la literatura romántica, capaz de innovar en este campo de nuevo. Y mejor. Infinitamente mejor. Imposiblemente mejor.

Podéis comprar en Amazon "Recordando lo imposible" a partir del 15.12.2014.

Y pinchando aquí, por si no la habéis leído, la primera parte, "Conquistando lo imposible", de la saga #IMPOSIBLES

#LITERATURA: Niebla, una "nivola" de Miguel de Unamuno // ****

Según el propio autor nos hace saber en el prólogo de la obra, y con constantes referencia a lo largo del texto, 'Niebla' no se trata de una novela, si no de una "nívola", pues se desarrolla con pequeñas grandes diferencias que la hacen diferente, alejada, a todo lo demás.

Niebla fue escrita en el año 1907 y publicada siete años más tarde, en el año del estallido de la Primera Guerra Mundial. Enfrascada en lo que parece una historia común, se nos presenta Augusto, un hombre que sufre la soledad a raíz de la muerte de su madre, que no tiene esposa y que vive con la única compañía de un matrimonio que le sirve en el hogar. Nuestro protagonista, a través de sendos monólogos interiores y diálogos densos con otros amigos o , llevaba a cabo un estudio de sí mismo, de la mujer y de la vida (no-vida, no-existencia) que empieza a torturarlo cuando se plantea si es real o se trata de algo mucho más allá.

La filosofía empapaba cada una de sus páginas, empezando por el título y terminado por un epílogo que muy hábilmente elige el autor para cerrar esta obra maestra de la literatura española. El amor tortura a Augusto, que se enamora de Eugenia, una mujer transgresora, diferente y apática. Sin embargo, en lo que él determina como el conocimiento de la 'MUJER', que se trata de una sola alma representada en todas las mujeres, empieza a despertar sentimiento amorosos por Rosario, la muchacha que le plancha la ropa y Livduvina, su criada. Esa suerte de sentimientos, rocambolescos y desorbitados, hacen que la calmada rutina de Augusto se rompa drásticamente.

Pero lo más destacable de esta nívola, es la aparición como personaje del propio escritor, Miguel de Unamuno, para dialogar directamente con el protagonista acerca de su situación personal y su propia existencia. Esta rotura, radical, de la cordura literaria, hacen que 'Niebla' sea una obra completamente imprescindible, de una originalidad desbordante y de una calidad propia de un grande escritor de nuestra literatura.

"Esto es la niebla, esto es la nivola, esto es la leyenda, esto es la historia, la vida eterna." 

Miguel de Unamuno, Salamanca, Febrero 1935

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#LITERATURA: MARAFARIÑA: Argumento

Marafariña es un lugar infinito que no termina nunca, pues jamás ha tenido inicio. Es un trocito de paraíso terrenal, un bosque de un intenso color verde vivo, un cielo gris y lluvioso, o una tierra eternamente humedecida de la que brota vida de manera incansable. Es un claro brillante y hermoso, secreto y solitario. Es un río que emite un tintineo hipnotizante y fresco. Es una playa anhelante de la unión entre la arena y el mortal Océano Atlántico.  Es, también, una Iglesia abandonada sin Dios. Una tarde soleada, pero dominada por el intenso frío. Es una hoguera que quiere penetrar en la noche. Es la oscuridad más pura, y es también la luz más brillante.

Marafariña es un sentimiento, una sensación, unas raíces, una manera de darle sentido a la existencia, o de quitárselo de la misma forma. Es una fuerza atrapante, musical, fuerte e invencible.

Marafariña es un regalo de una Galicia con esencia propia, con su propia alma y su propio espíritu. Marafariña es una aldea que carece de ataduras a su alrededor. Que no necesita a nadie, que tiene un corazón que late por sí solo, que está fuera del mundo real, que está fuera de todo lo conocido. Porque Marafariña es un paraíso desconocido.

Ruth siente un vínculo especial, esotérico, con Marafariña. Su propio corazón, su latido, es inherente al propio pulso de una Marafariña que la ha acompañado siempre, en cualquier faceta de su vida. Apenas ha necesitado nada más para sobreponerse a su compleja situación personal: toda su existencia está sometida a unas poderosas y restrictivas creencias impuestas por sus padres, a raíz del fallecimiento de su hermano mayor. Enfrascada en una vorágine de obligaciones, siguiendo el camino estipulado sin replantearse ninguna de sus pautas, sobrevive enfriando sus sentimientos y anulado sus deseos o su curiosidad.

Sin embargo, la llegada de Olga a la solitaria aldea parece desbarajustar el equilibro y la paz de Marafariña y de la propia Ruth, como si repentinamente, la inmutabilidad de la Naturaleza del lugar y de la muchacha se resquebrajasen como las otoñales hojas secas. A partir de entonces, el virginal bosque de emociones en el que vivía Ruth, se ve surcado por millones de nuevos caminos, nuevas posibilidades y nuevos sentimientos, que le provocan un doloroso, a la par que hermoso, despertar personal.

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"Tu pueblo será mi pueblo, y tu Dios mi Dios. Donde mueras tú, yo moriré, y allí es donde seré enterrada”

Rut 1: 16 y 17

#CINE: 80 egunean (En 80 días), el mejor amor llega con la tercera edad // ****

El cine es un arte incansable, que necesita explotar todas y cada una de las experiencias posibles del ser humano. Junto a la literatura, es el medio que nos permite vivir, revivir o reinventar otras 'formas de vida', otras etapas, otras épocas que no vamos a tener la oportunidad de sentir en nuestras carnes. Nos permite también conocer a personas que, de otra forma, jamás llegaríamos ni siquiera a mirar. Existen argumentos extraordinarios, fantásticos, que se alejan de la realidad y nos adentran en mundos imaginarios. Pero también existen otro tipo de guiones más costumbristas, más cercanos a nuestro día a día. Guiones que convierten la rutina en algo, sutilmente, maravilloso.

80 EGUNEAN (En 80 días) es una atrevida propuesta del cine vasco. Exhibida en V.O.S (Euskera) y del mismo director que ha sorprendido a la cartelera con LOREAK, cuenta la común historia de una entrañable anciana Axun que, sintiendo compasión por el ex marido de su hija, va a visitarlo asiduamente al hospital, donde se encuentra en coma. Allí, se reencuentra, 50 años después, con una especial amiga de su adolescencia, Maite, una música recién jubilada que cuida de su hermano. 

Si los años no son nada, eso se demuestra muy hábilmente en la serie de sucesos que azota a éstas dos luchadoras, cuyo rostro surcado de arrugas, sigue mostrando la timidez, las dudas y la valentía de su juventud, a la que nunca han sabido dejar atrás. Axun se vuelca totalmente con Maite, como deseando recuperar el tiempo perdido. Maite, por su parte, le muestra una nueva forma de vivir el último tercio de su aún latente vida.

Las interpretaciones son estelares, sin lugar a dudas. La sensibilidad que reflejan las miradas, la fuerza implícita de los diálogos, el deleite del alma entregada a cada fotograma, hace que el espectador se sienta embelesado por las dos protagonistas que se nos presentan. Los demás personajes secundarios, también juegan hábilmente sus bazas: El marido de Axun, la hija que vive en América (y cuya aparición es a través de llamadas telefónicas) y la sobrina que trabaja en el hospital. Son piezas claves del hilarante desarrollo de los sucesos que, sin más, explotan ante nuestros sentidos repentinamente... pero con suavidad al mismo tiempo.

La película está contada con tal honestidad, que es sencillo olvidarse de que una historia tan sentimental está protagonizada por dos personas septuagenarias. Está contada con tanta verdad, que incluso nos olvidamos que que tan sólo se trata una película. Está plasmada con tanta intensidad, que la emoción nos abraza fuertemente la garganta. 

Me enorgullece que el cine sigue apostando por estas ideas tan transgresoras (aunque no deberían de considerarse así, pero el poco eco que ha tenido en la gran pantalla así lo demuestra) que todavía no son bien acogidas por el público común. Ojalá, tal vez, algún día, nuestras salas de cine se llenen de pequeñas grandes joyas como éstas, de personas que hacen cine con el alma y con el corazón.

Podéis consultar su ficha en filmaffinity aquí

Podéis verla en Filmin por menos de 2€

#LITERATURA: Recoleta Risch, novela negra al estilo ''Mendozano'' // ***1/5

Llegué a esta novela de Álvaro Hernández por un anuncio que vi en la Red Social Facebook. La mayor parte de las veces, éstos pasan desapercibidos, pero otras, un pequeño detalle, termina por llamar nuestra atención.

La adquirí en Amazon, donde por último, las buenas críticas me animaron a leerla. Con la premisa de tratarse de una novela negra, con tintes cómicos, ambientada en la Barcelona de los años '90, comencé  a engullir sus páginas enseguida. A pesar de que no se trataba de mi género predilecto, la literatura de A. Hernández me atrapó con una facilidad apabullante. Esto es debido a la calidad de todas y cada una de sus frases, su sarcasmo y la absoluta descripción pormenorizada de los personajes dialogantes y activos. 

Su semejanza con el estilo y la forma de "El Laberinto de las aceitunas" de Eduardo Mendoza es más que evidente. Ambos autores, utilizan un personaje principal que parece ser completamente inocente, muy despistado, y que se ve involucrado en una trama sin precedentes de la que no tiene que ver. Es, por cierto, esa presunta inocencia, lo que lo lleva a salir airoso de casi todas y cada una de las estrafalarias y extrañas circunstancias en las que se ve inmiscuido a lo largo del hilo argumental. 

Borja, nuestro afable y tierno protagonista, recibe una insólita llamada de una ex amante llamada Recoleta. A partir de ese hecho, la calmada y aletargada vida del joven se ve truncada por todo tipo de catastróficas desdichas, empujadas en ocasiones por su propia culpa (sin ser consciente de ello, eso sí). La trama, compleja, víctima de giros insospechados, con personajes bien definidos (tiene gran importancia, por cierto, la simbología de sus nombres) y con solidez, forman una obra redonda, bien perfilada, cuidada y completamente profesional.

El escenario de fondo, de una gris y oscura Barcelona (como en "El Nombre del Viento") es perfecto. El autor maneja de manera extraordinaria las posibilidades que una ciudad tan hermosa y tétrica como ésta, le brinda, mostrándola sin tabujos y sin censura. La crítica social no es demasiado importante, pero figuran algunas referencias políticas, inmigrantes ilegales que sufren el abuso de los empresarios, sin techo que vagabundean por las solitarias e inmensas calles o la corrupción de las autoridades. 

Su lectura es, ciertamente, estimulante, completa y profunda. Una novela muy diferente y original, que nos muestra a un nuevo escritor con mucho potencial. Ojalá podamos leerlo próximamente en otra obra.

Podéis adquirir la novela por menos de 1€ en Amazon.

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#MÚSICA: Rozalén, hacer brillar el alma con la voz // ****

Hay artistas que se dejan la piel en el escenario con el fin de dar todo de sí para complacer a un público loable e insaciable. 

El caso de Rozalén es bien diferente. Rozalén no se deja la piel. No. Rozalén se deja el alma, se deja el ser, se deja su esencia en el interior más profundo, en el corazón, de todas aquellas personas que tienen el gran privilegio de verla tocar y cantar en directo. Impregna todo lo que toca, como si de su propia voz emanase magia, pura magia hasta entonces desconocida. 

He llegado a ella recientemente, por una recomendación. Me he enamorado, sin poder remediarlo, de sus canciones, de sus letras. Letras que parecen poesía, literatura, que son honestas, sinceras, hermosamente elaboradas, y preciosamente interpretadas. Y con la grandiosa sencillez de Rozalén, como solo ella sabe hacerlo.

Su primer disco se titula Con Derecho A... Está compuesto por diez temas, diez canciones, diez sentimientos (o millones de sentimientos), diez pedacitos de su alma, diez maneras de compartir la belleza de la vida. Y, esto, acompañado de vídeos en su canal de Youtube , que elevan dicho arte a su máxima exposición. El arte en estado puro, que late con alma propia, que se forma como una caricia suave e inolvidable.

Es curioso el tema 80 veces, con más de dos millones de visitas. En su vídeo, además de interpretar ella el tema, Beatriz Romero traduce la canción en el lenguaje de signos (música para sordos), creando un concepto muy diferente de la música. De hecho, ambas mujeres realizaron una gira en este forma que se convirtió en todo un éxito. Es, realmente, una iniciativa para aplaudir.

Otras canciones, impresionantes, forman este trabajo sobresaliente. Comiéndote a besos,  que personalmente, es mi canción favorita, es una vorágine, una explosión, de situaciones y sentimientos. Es como un grito transformado en melodía, que sale desde las mismas entrañas del dolor, o de la esperanza anulada, del amor que no se termina nunca. Saltan chispas, con videoclip animado, optimista, que habla sobre la lucha personal, o la lucha de la humanidad, de la soledad, de las ganas de sonreír. Para los dos, con una letra sensacional y honesta, que consigue emocionar a cualquiera que tenga la oportunidad de escucharla. O, por ejemplo, Las hadas existen, un tema vertiginoso que elogia la figura de la mujer común. 

Cualquiera del resto de canciones del disco no tiene desperdicio. Está claro que Rozalén puso sincero y tenaz empeño que cuidar la calidad, la vida, la esencia, de cada uno de sus temas. Luciendo, luciendo radiante, este primer trabajo que es, sencillamente, grandioso, sencillamente único.

Gracias, Rozalén, por habernos regalado este gran pedazo de ti.

Podéis comprar su disco aquí

#CINE: Los Juegos del Hambre - Sinsajo I, o como rescatar brillantemente una saga // ****1/5

 Cuando se estrenó la primera entrega de Los Juegos del Hambre la ignoré por completo. El cine había despedido hacia pocos meses la multimillonaria y exitosa saga del niño mago, que para mi entender, en calidad cinematográfica, había sido un final desastroso, carente de calidad y sin cuidar los pequeños detalles.

La aparición en escena de este nuevo formato de film me parecía, simplemente, una oportunidad que había buscado Hollywood para seguir creando dinero en exitos adolescentes. Tardé un año en verla, por pura curiosidad, una grisácea tarde invernal. Me sorprendió muy gratamente, mucho más de lo que podía llegar a esperar. Ofrecía algo difente, algo oscuro, algo que podía traspasar a una potente crítica a la sociedad. Y todo esto, tras el halo de brillantez de una espectacular Jennifer Lawrence.

Gary Ross (Seabiscuit) abandonó la dirección de la saga. Francis Lawrence apareció en su lugar para mostrar en la gran pantalla el Vasallaje de los 25 (Los Juegos del Hambre: En llamas). Fue realmente, una película desetructurada (es curioso que en filmaffiniy es la más valorada de todas), vertiginosa, sin profundidad, con interpretaciones secas, sin dramatismo y sin cuidar un guión que prometía muchísimo. Las escenas de violencia, las muertes y demás situacioens drásticas, no llegaron a traspasar al espectador. Parecía que las novelas de Susan Collins realmente se habían convertido simplemente en una excusa para generar dinero, sin cuidar la calidad.

El reciente gran estreno de Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1 creaba mucha crítica mediática. La división del final de fiesta en dos partes se veía como una simple excusa comercial. Probablemente así sea, y así haya sido desde el principio. Pero el espectador más exigente, aquel que ama el cine, se ha llevado una fulminante sorpresa.

La trama de Panem abandona Los Juegos para mostrarnos una revolución de un pueblo que agoniza. Nos muestra una cruda y realista Guerrra Civil. Nos muestra como los diferentes districtos están bajo el yugo de un régimen totalitario y violento. Vemos la miseria, la muerte, el hambre y el terror en cada uno de los rostros. 

Podríamos definir esta entrega (la mejor y la más brillante de todas) como espectacular. Es una radiografía de cada uno de los personajes y de la sociedad, en la que, hasta ahora, nadie se detuvo en detallar tan pausadamente. Pero lo más importante de todo, en base a lo que gira el film, es la evolución y en análisis psicológico de Katniss Everdeen, la joven del Districto 12 que desafió al Capitolio.

Nos muestra una situación que casi parece real, en la que cualquier espectador se puede sentir rabiosamente indentificado, rechinar los dientes de rabia, sentir el abrasante clamor de la revolución  que soporta el peso de la miseria. Al mismo tiempo, la Política, el juego de intereses y la publicidad, cobra gran importancia (y muy acertadamante) en Sinsajo, lo que podríamos tomar como una sarcástrica crítica social. Hace apología de la demagogia más cuidada.

Además, la entrega cuenta con el interesante papel de Julianne Moore y el recientemente fallecido Philip Seymour Hoffman, que suponen las claves del triunfo de la revolución liderada por la figura del Sinsajo. Vemos a Katniss como una marioneta, que al principio parece carecer del alma y la garra que la caracterizaba. Jennifer Lawrence tiene esa factultad de mostrar la mirada vacía, y de recuperar el brillo con la misma facilidad. 

No me parecería justo seguir destripandoos los entresijos de la más falmante entrega de la aclamada Saga. Tan solo recalcar que los pelos de punta, los escalofríos y las lágrimas en los ojos, están asegurados.

"El fuego se propaga. Si nosotros ardemos, tú arderás con nosotros"

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#CINE: INTERSTELLAR, Grandilocuente y pretenciosa; pero carente de calidad // ***

Cuesta creer que sea el mismo director de Memento, El truco final o la famosa y aclamada trilogía de Batman: El Caballero Oscuro, sea el mismo que trajo a nuestras pantallas la casi insultante Origen y, en una línea parecida, Interstellar.

La película ha sido poderosamente aclamada por la crítica, tanto profesional como aficionada. He leído frases que proclamaban que es "Prácticamente perfecta..." "La película del siglo" "Inmejorable" y pretenciosidades varias. Y es que Nolan siempre ha sido un pretencioso, pero un pretencioso con tintes de serlo, uno de estos directores que suponía un sello asegurado de calidad con cine comercial, que no defraudaba, que amaba lo que hacía. Es una verdadera tragedia cinematográfica que todavía, a día de hoy, se siga utilizando al espectador de ignorante integral vendiéndole un bombón reseco en envoltorio de oro.

El encuadre no podía ser mejor: Matthew McConaughey (que hace poco nos deleitó en Dallas Buyer Club) como protagonista, acompañado de dos sumas bellezas del cine, Anne Hathaway (que ya trabajó con Nolan como Catwoman, y que simplemente, brilló con todo su esplendor en Los miserables), y la soberbia Jessica Chastain (La noche más oscura). 

Y no solo podía presumir de un reparto espectacular (y de moda, como no): la premisa de una nueva película de ciencia ficción para borrar el mal sabor de boca que nos dejó Elysium (Matt Damon también hace un cameo en este film, lo digo para que no os asustéis porque su intervención es sumamente absurda) u Oblivion. Prometían esos carteles futuristas, esas naves espaciales, el vacío del universo, los agujeros de gusano, la teoría de la relatividad... ¡Y además tenemos drama familiar incluido! ¡Oh, por los Dioses Cinematográficos! ¿Qué más podíamos pedir?

Pero no. Christopher Nolan tenía los mejores ingredientes en la palma de su mano, pero no termina de ser un buen cocinero. La sopa le ha quedado insulta y el pavo se le ha quemado. Y el postre era demasiado pesado. Aunque hay que reconocer, eso sí, que hay escenas que individualmente son espectaculares y prometedoras, que visualmente tiene partes que quitan la respiración y que durante ciertos fragmentos te olvidas de que tan sólo estás en una sala de cine. Pero esta sensación pronto se evapora. El guión en ocasiones es tan torpe, atropellado y forzado que me provocaba dolor de cabeza. Más de una vez, suspiré aletargadamente por el cúmulo de tópicos que he tenido que sufrir (y que, lo siento, no puedo consentir, no a estas alturas).

Podría seguir citando muchos defectos y escasas virtudes. Pero en realidad millones de espectadores caerán en las redes del encanto de un gran despliegue de medios económicos de publicidad y de efectos especiales. Muchos se olvidarán de que le están dando gato por liebre. Otros repararán en los defectos y errores de Interstellar, pero se quedarán tan embobados de la historia que ni siquiera se acordarán al salir. 

Y otra parte, aquella parte que exige, que crítica, que quiere más de este negocio multimillonario... Esa parte del público (tachada a veces de "quejica" sin causa) creará una entrada indignada en un blog, o publicará su opinión en filmaffinity. Expresará su indignación hasta la saciedad. Pero, pobrecitos, somos unos incomprendidos. 

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#MÚSICA: Eladio y los Seres Queridos, Orden Invisible // *****

Hace un par de años tuve el placer de asistir a un concierto íntimo de Vetusta Morla en Santiago de Compostela. Era la primera ocasión que tenía de verlos en directo, y me encontraba inundada por el nerviosismo y la emoción. Como no podía ser de otro modo, llegamos varias horas antes de que Pucho y compañía comenzasen a tocar, pero había había una banda de teloneros que amenizaban la espera. 

Es común que, a veces, ni siquiera nos dignemos a escucharles. De hecho, yo me encontraba anclada en la barra esperando con impaciencia, y echando un vistazo de soslayo a mi alrededor. Reparé que en las primeras filas, había un pequeño grupo de fans que se conocían las canciones y las entonaban con ahínco. Eso me llamó poderosamente la atención, y empecé a prestarles atención, al principio sin demasiado afán, pero poco a poco quedándome, de manera irremediable, prendada de su música.

Recuerdo el precioso tema que me hizo caer a sus pies. Se titulaba Miss Europa, y me encandiló por igual la música y la letra, pero sobre todo el sentimiento y la verdad que la banda, en su totalidad, depositaba en cada una de las notas, en cada una de las palabras, en cada uno de los segundos que permanecía sobre el escenario, aún a sabiendas de que la mayor parte de los allí presentes solo estaban pendiente del minutero de sus relojes. Después, me encantó el tema que cantaron en gallego, fermosísimo, Non quero perdelo. Supe que tenía una obligación conmigo misma de adquirir su disco y embriagarme de la profundidad de sus melodías, tan auténticas, tan diferentes, tan frescas.

Ahora, ya amante incondicional del grupo, al que sin duda me refiero con más cariño, estaba anhelante de escuchar su nuevo trabajo, Orden Invisible. La portada del álbum, ya de por sí, me resultó perturbadora sin poder evitarlo. Recrea (como podéis ver en la cabecera de esta entrada) una imagen dibujada que representa un escenario idílico que recuerda mucho a la que figura en los diferentes folletos religiosos que ciertos predicadores reparten de casa en casa o por la calle. Tras esta imagen, que es una crítica ya en sí misma, se esconde una colección de canciones intensamente sinceras, intensamente astutas e intensamente bellas. Esta temática está muy ligada a la de la novela que estoy escribiendo, Marafariña, por lo que ya me sentí íntimamente vinculada a este nuevo trabajo.

Desde Seremos Santos Inocentes, que bien casi se puede considerar un resumen o un índice de canciones, hasta Los Dinosaurios (que, personalmente, es mi tema favorito), pasando por Bella Durmiente y terminando con Junto a los Seres queridos, que da una finalización optimista y viva. Y aunque todas las canciones esconden detrás un trasfondo similar, las temáticas son muy dispares... incluso podemos disfrutar de Eternamente, que se centra en un amor vampírico; o de Highway to Heaven, la versión personal e inédita que Eladio y los Seres Queridos ha querido hacer del popular tema de AC/DC (y que es otra clara alusión al tema religioso, en consonancia con Dispositivo Celestial o la intransigente La Misa).

Eladio y los Seres Queridos se ha convertido en una de las mejores bandas indie de nuestro país, con profundas raíces gallegas, y con una música comprometida e íntima, una música que es sincera y puramente Eladiana. Es, sin duda, un grupo completamente imprescindible para los amantes de la música independiente o, tal vez, para los amantes de la música en general.

P.D: Nos vemos en el concierto que podéis disfrutar el día 5 de diciembre en A Coruña

Podéis escuchar sus canciones en su canal de Youtube

Y adquirir su último disco en su web

#CINE: Criaturas celestiales, cine indie nuevozelandés de culto // ***** (OBRA MAESTRA)

Hay grandes joyas del cine que, sencillamente, desconocemos. Y que llegamos a topar con ellas por caprichos caprichosos del destino, ese que dicen que no existe, y que probablemente sea cierto. Desconocía completamente la extistencia de este extraodinario film, que se cataloga como Cine de Culto Nuevozelandés Ultraindependiente.

Navegaba yo por el portal de cine Filmin (un lugar donde se pueden ver infinidad de títulos, sobre todo de cine menos comercial, por un precio que oscila desde 1€ a 3€), y en el que suelo buscar pequeños tesoros desconocidos. Pasando con cierta parsimonia infinidad de portadas, me pareció reconocer a un jovencísima Kate Winslet, lo que me resultó extraño. Por pura curiosidad, me metí en la ficha de la película y me llevé una extraodinaria sorpresa. 

Sí, en efecto, se trataba de una jovencísima Kate Winslet (Titanic, Revolutionary Road, El lector...). De hecho, se trataba del debut de esta gran actriz en el mundo del cine. Y, para más inri, de la mano de nada más y nada menos que de Peter Jackson (El Señor de los anillos, King Kong), una época en la que aún se dedicaba a rodar films más independientes que aspiraban a hacerse un hueco en la gran pantalla. La otra actriz protagonista, Melanie Lynkey, pudimos verla en numerosos papeles secundarios (El bar coyote, Up in the air...).

La película data del año 1994, y está basada en hechos reales acontecidos en la ciudad de Christchurch (Nueva Zelanad) entre los años 1950 y 1953. Cuenta la historia de Pauline, una chiquilla tímida y cohibida de catroce años, nacida en el seno de una familia humilde. Pauline, traba amistad con una nueva compañera de su colegio, una exótica y vivaz británica llamada Juliet (he aquí el debut de Winslet). Ambas empiezan a unirse por unos lazos muy estrechos que traspasan el límite de una inocente amistad, y comienzan a crear un mundo de fantasía propio e íntimo, mientras trabajan a la par en una novela.

Obviamente, la película trata el tema de la homosexualidad, considerada aún por aquel entonces una enfermedad terrible (incluso peor que la tuberculosis que sufre la pobre Juliet). Pronto, las dos jóvenes, que comparten momentos realmente exquisitios, con escenar poderosamente bellas y diálogos asombrosos, se ven confrontadas con la realidad que les toca vivir: Sus padres se oponen completamente a esa amistad que consideran insana.

El film es complejo, y esconde tras de su aparente inocencia, un mundo de simbología, con una banda sonora espectacular y hermosa; y unas interpretaciones sencillamente increíbles. Juliet y Pauline, que son ajenas a todo lo que las rodea (o quieren serlo), exploran hasta la saciedad los sentimientos que las unen, entre el mundo de fantasía y los problemas que las aquejan. Sobreviven entre el dolor y la felicidad que sienten al separarse y al unirse, y poco a poco desarrollan una unión que nada parece poder romper.

Y hasta aquí puedo leer. Simplemente magistral, simplemente una obra maestra, simplemente perfecta. Os animo encarecidamente a que la disfrutéis y la viváis, pues se trata sin duda de una de las imprescindibles para los amantes de Séptimo Arte y, ¿Por qué no? de la vida misma. Y el amor.

Consulta aquí su ficha en filmaffinity

#GRACIAS

Ayer tuve la suerte, y el honor, de que Rosa Montero, una de mis escritoras predilectas desde mis más tiernos años, haya leído, agradecido y compartido la última crítica que hice de su último trabajo. Siempre es todo un estímulo que una maestra de las letras como lo es ella, dedique unos minutos a mi humilde aportación. Mención que también me gustaría hacer a Ana Milán, que hace algunos meses se dedicó a tuitear arduamente mi comentario acerca de su obra Adán y Eva, y que otorgó cierta popularidad a 'Las mentiras que escribí'.

Ahora, también he de decir que siento el mismo agradecimiento y emoción cuando otros escritores o músico más pequeños agradecen mis críticas en el blog, porque para mí es igualmente importante. Creo que, a fin de cuentas, en este mundillo de escritores y otros artistas que nos queremos hacer un hueco, es de suma importancia que sigamos dándonos empujoncitos unos a otros, pues es la única forma.

Así, además de agradecer a Rosa su ayuda; quiero dar las gracias encarecidas a otros escritores y escritoras como Fernando Maremar,Gemma Jordán Vives, Nieves García Bautista, Mari Ropero, David López Rodríguez, Erika Hav, y Javier Castillo (El día que se perdió la cordura) por haber compartido las críticas realizadas, y por haber mostrado agradecimiento sincero. Estas pequeñas cosas son la que nos hacen grandes.

Y mientras tanto seguimos sumidos en nuestras vidas reales, en nuestros trabajos, nuestras rutinas, nuestros problemas cotidianos, no nos olvidamos nunca de dedicas unos minutos, aunque sólo sean unos minutos, a dejar aflorar nuestra vena creativa. Y no nos olvidemos nunca de agradecerle a esas personas que están alrededor por apoyarnos, por leernos, por seguir creyendo en nosotros.

Por eso quiero cerrar esta pequeña y humilde entrada agradeciendo a todos mis lectores, a todos mis amigos, a todas esas personas que han dedicado una gran parte de su tiempo a mis pequeñas creaciones en mi blog, que para mí son enormes; como a los capítulos intensos y sentidos de Marafariña.

Felices Letras a todos.

#LITERATURA: El día que se perdió la cordura, un nuevo enfoque de la novela negra // ****

Topé con este título de casualidad en la Red literaria Librofilia, cuando uno de mis amigos subió la ficha a la base de datos. Me llamó poderosamente la atención el título y la portada, a pesar de que la novela negra no es un género que me entusiasme en demasía. Indagué en Amazon y vi que la obra había tenido una cálida acogida entre el público lector, y que era aclamada por las críticas aficionadas.

Durante un tiempo, después de comprarla, la tuve aparcada en mi ebook hasta que me decidí a comenzarla. Simplemente, llegó a atraparme. El inicio es vertiginoso, arrancando la novela con varias historias, o varios enfoques de la misma historia. El suspense y los interrogantes empiezan a bombardear al lector, y dejar de leer resulta hasta doloroso. Además, el hilo argumental es tan complejo, completo y sin dar lugar a tregua, que su lectura es sumamente tensa y mantiene en vilo durante todas y cada una de sus páginas.

La narrativa de Javier Castillo es pulcra, profesional y nítida. Al principio, más frívola y más alejada, pero a medida que progresa, ésta se vuelve más íntima, más profunda y más elaborada. Se transmite, en cualquier caso, el fuerte trabajo de elaboración que se esconde tras El día que se perdió la cordura, que puede presumir, sin lugar a dudas, de lucir un argumento poderosamente original e hipnotizante. 

Y teniendo en cuenta que esto no sería posible sin unos personajes igualmente desarrollados. Jacob, Amanda, Steven, Stella y Dr. Jenkins son los protagonistas principales de esta oscura trama entrelazada. Son personajes, como ya mencioné, sumamente elaborados, sumamente profundizados y que muestran una razonable evolución.

Otro punto fuerte son los diálogos, perfectamente enfocados para centrarse en los puntos más sentimentales o más trascendentes de la obra, y que son una de las características más importantes. De hecho, aún cuesta encontrar escritores capaz de salir de los tópicos dialogantes, para crear la voz de sus protagonistas de forma diferente.

Hartamente compleja, pero de amena lectura, original, atrapante, esta apasionante novela es otra de las grandes sorpresas de los autores noveles que tienen su oportunidad de autopublicación en Amazon. Completamente recomendable para los amantes de la novela negra, y también para nos más reacios, pues difícilmente decepcionará.

Puedes comprar en Amazon la novela por lo que cuesta un cafétito

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#CINE: SERENA, pasiones trágicas en la depresión de los años 30 // ****

Podría decirse que Jennifer Lawrence y Bradley Cooper se han consagrado como una de las parejas que mejor cuajan en pantalla. Lo demostraron muy bien en "El lado bueno de las cosas", una curiosa tragicomedia sobre los trastornos mentales; y en "La gran estafa americana", un film que no brilló por su calidad, pero si por la interpretación de sus actores. Ahora, cambiando completamente de registro, una vez más, se adentran en los preciosos bosques de las montañas de Carlina dando vida a Serena y  a George, un apasionado matrimonio de recién casados, que se dedican junto a otro socio, a un importante negocio maderero de la región. Serena, a cuyas espaldas esconde un trágico pasado, lucha por acostumbrarse a la nueva vida lejos de la ciudad y por hacerse un eco en medio de las voces de los hombres. George, completamente enamorado de su esposa, confía ciegamente en las decisiones que ella decide tomar, por muy drásticas que éstas se le antojen. 

Serena podría definirse como una versión casi western de Revolutionary Road (qué casualidad, protaganizada también por otra pareja mítica en el cine). Los sentimientos encontrados y feroces son los mismos, al igual que el drama intrínseco en la historia. Pero lo que más destaca, de primeras, es la ambientación de fondo de esta profunda historia que late con corazón propio. El bosque, las montañas, la naturaleza salvaje, recrean la hermosura de un lugar en el que parece imposible sentirse desasosegado o infeliz. Aquí, Lawrence y Cooper pueden hacer alarde de sus dotes como actores, dando rienda suelta a su interpretación en situaciones extremas. Impresionante, desde luego, la joven muchacha de los Juegos del Hambre, que parece querer ser tan cambiante como su personaje en X-men.

En cuanto al resto, los personajes secundarios están encasillados en los papeles típicos y comunes de esta temática: El sherriff, el cazador misterioso, la joven solitaria, el amigo incuestionable y las sombras de los secretos. ¿La historia? Parece simple, pero los entresijos de la misma evolucionan poco a poco hasta dar de lleno en el espectador, que a duras penas puede prever los constantes y crudos giros argumentales. 

Cuesta creer el aluvión de malas críticas que Serena ha obtenido en su primera semana de estreno, siendo esta una apuesta diferente, que escapa de lo comercial, y que, valientemente, se centra en enfocar una historia perturbadora, con una calidad a destacar y ofreciendo algo diferente a lo que suele lucir la pobre cartelera cinematográfica. 

Sin duda, una de las imprescindibles del 2014.

LO MEJOR: Jennifer Lawrence (¿alguien lo dudaba?)

LO PEOR: El argumento se les queda pequeño.

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#LITERATURA: El amor huele a café, historias que buscan la felicidad // ***1/5

Descubrí, después de leerme La mensajera de los sueños imposibles, que El amor huele a café era la primera y aclamada novela que Nieves García Bautista había publicado, por lo que inmediatamente, y después del buen sabor de boca que me dejaron sus letras, la apunté en mi interminable lista de deseos.

El amor... es una obra completamente diferente, con un original argumento de historias entrelazadas con un punto en común: El Confidente de Melissa. Un esquema similar, tal vez inspirado, en la famosisíma y aclamda novela de Camilo José Cela, La Colmena, que se vale de el Café de Rosa para concentrar a sus personajes. Si el famoso escritor utilizó este método para reflejar la sociedad de aquel entonces, Nieves García hace algo similar.

La novela es una radiografía de la vida y peripecias de unos personajes principales, muy diferentes entre sí, y con existencias muy dispares, que simbolizan al mismo tiempo, diferentes edades y sectores de la sociedad (y lo hace de forma múy hábil, muy amena). Así, de esta forma, la escritora nos acerca la vida de Adela, el personaje principal, una psicoanalista absorbida por su trabajo para huír de su propia vida; a su padre, Joaquín, un tosco anciano que cuida con cariño de su nieto Mateo, mientras intenta sobreponerse al fallecimiento de su esposa; Raquel, amiga íntima de de Adela, y que representa la cara más despreocupada y esperpéntica; y por último, Helia, que es el único personaje que no tiene relación directa con Adela, una estudiante de literatura profundamente acomplejada.

Constantemente, la trama, que transcurre en unos pocos días, va avanzando en fragmentos cortos entre unos y otros, que se desarrollan por parelalamente y de forma harmónica. Cabe destacar la importancia de la psicología para la autora, quien se preocupa por revelarnos, en todo momento, el estado anímico (que es, en su mayor parte, inestable y hasta trágico) de sus protagonistas, y  como son capaces de afrontar los escollos que se interponen en su camino.

Después de demostrar pues, la sobresaliente facultad de Nieves García para desarrollar personajes diferentes y darle la oportuna profundidad, hay que señalar la frescura y soltura de su literatura. Una forma de narrar cercana al lector sí, pero tambien muy íntima y muy personajes, que navega en los sentimientos, con diálogos muy bien estructurados y desarrollados.

En cuanto a la localización, llama la atención que, al contrario de lo que sucede en La Mensajera de los sueños imposibles, no conocemos el lugar exacto (ciudad, pueblo) en el que desarrollan los hechos, y tampoco se exponen descripciones sobresalientes de la localización. Esto juega a favor de la imaginación del propio lector, quien puede extrapolar los hechos y vivencias a su propio entorno, lo que provoca aún una novela más cercana y más próxima. Más humana, tal vez.

Aquí podéis adquirir en Amazon El amor huele a café

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#LITERATURA: Ellas, De amor y de peripecias // ***1/5

Ellas es una novela sobre dos mujeres y el adverso círculo que las rodea. Ellas es un enfrentamiento entre Lourdes y Carmen por equilibrar sus vidas. También es un canto ahogado al amor, que todo quiere resistirlo, que todo perdura, que es incapaz de rendirse. Y no importa el tiempo que pase. Y no importa la distancia interpuesta. No importa nada cuando se trata de amar.

Esta es la permisa de Mari Ropero en esta cautivadora y sentimental historia. Está narrada de una forma peculiar, que permite la conforntración de varias versiones, de tal manera que el lector no sólo sea intérprete de las situaciones, sino que lo involucra en ellas como un espectador más. Al conseguir esto, da más vida y más profundidad, porque le permite ahondar más en la personalidad y vida íntima de ambas mujeres por separado.

Carmen, obligada por las complejas circunsatancias económicas, comienza a trabajar muy joven en una agencia de prostitución. En una cita, la casualidad y el destino, llevan a Carmen a encontrarse con Lourdes, una elegante ejecutiva, y surge algo más que un simple servicio de compañía. A partir de ese instante, por mucho que ellas quieran, el río de sus vidas nunca podrá volver a su cauce. A partir de la primera mirada, nada volverá a ser lo mismo.

Lo fascinante de Mari Ropero es la naturalidad y la franqueza con la que plasma las realidad y sentimientos. Como manipula al lector, jugando con él, mientras nos expone a diferentes situaciones en las que ansiaríamos poder gritar con fuerza a las páginas para cambiar el curso de la historia. Todo esto, con dos perfectos cuadros de fondo: La hipnótica ciudad londeniense y la vorágine mágica de Madrid, que forman el escenario perfecto para una relación tan especial como ellas mismas.

La narración es ligera y amena. Y la literatura de M.R es pulcra y adecuada, casi suave. Sobre todo, hay que subrayar que tiene una habilidad especial para desarrollar los diálogos, tanto entre las dos protagonistas, como con los personajes secundarios. Conversaciones que plasman la realidad, que en ocasiones es más intensa que cualquier novela de ficción.

Podéis comprar aquí el ebook de ELLAS.

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#LITERATURA: A la luna de Valencia, formas de amar en el Mediterráneo // ***1/5

Según la cultura popular, "Quedarse a la luna de Valencia" significaría algo así como "estar en las nubes, estar en babia". Pero la historia de este lema o refrán es mucho más interesante que eso. El origen de la misma más probable se referiría a las antiguas murallas que rodeaban la ciudad valenciana. Dichas murallas se cerraban por la noche tras un toque de queda, por lo que aquellos rezagados que, a tardías horas, ya no podían acceder al interior, debían de pasar el resto de la noche a la luz de la luna de Valencia.

Podríamos decir que la historia que se esconde detrás de esta novela de Gemma Jordán Vives es una alegoría (solo en parte) que hace referencia a este hecho. Carmen y Sofía son dos jóvenes que parecen querer luchar por poder entrar en esas 'murallas', pero no logran conseguirlo del todo. En medio de sus vidas, aparentemente insulsas y que evocan la normalidad y la rutina, un encuentro fortuito entre ambas hace que las puertas de Valencia vuelvan a abrirse. 

Lo primero y más interesante que nos llama la atención de la primera novela de G.J.V es el doble narrador en primera persona. Es un recurso muy poco empleado en la literatura (sobre todo la moderna, ya que es algo que era muy común en los s.XV y XVI) por su complejidad a la hora del desarrollo. La dificultad radica en saber mantener la personalidad independiente de Carmen y Sofía en cada uno de los fragmentos que corresponden, sin perder la esencia y el estilismo de la novela en sí. Gemma domina hábilmente dicho recurso, con una comodidad sobresaliente. Atreviéndose a ello, además, consigue plasmar de forma más íntima y más realistas los sentimientos y sensaciones que viven las dos protagonistas. En cuando al lector, por este mismo motivo, debe de ser hábil para lograr saber quien es la narradora en determinados fragmentos. Sin embargo, siempre hay mínimo detalle para facilitarnos esa identificación. Ahí, para mí, radica la belleza y la técnica de A la luna de Valencia.

La trama entremezcla el recurrente tema del amor imposible (o, más bien, complicado) con una trama compleja y oscura detrás, lo que le da más vida e intensidad a los acontecimientos a través de giros de acción inesperados. Sofía y Carmen son, por consecuencia, una antítesis la una de la otra. Los desequilibrios entre ambas se solventan cuando la autora logra, de forma brillante, equiparar las energías y conseguir, por un momento, que nos olvidemos de que son dos personas diferentes para unirlas en un único ser. De eso se trata, después de todo, amar y ser amado.

Otra característica importante de la novela son las canciones, que la autora utiliza para dividir los diferentes capítulos o partes. Estas canciones son elegidas sutilmente, o bien para zanjar una situación, o bien para describirnos lo que va a ocurrir a continuación. Es un recurso que, de nuevo, embellece la literatura de la obra.

Y, por otra parte, está el escenario de fondo que no todas las novelas se preocupan de cuidar. El amor de la escritora por Valencia queda latente en los diferentes lugares que se describen, que se exhiben y se muestran. Gemma nos desvela el corazón latente de una ciudad mágica, nos desvela su cultura, sus lugares y sus gentes, mostrando sin tapujos la hermosura de este pequeño paraíso de nuestro país, que es el marco perfecto para albergar esta historia cruda y fantástica historia. Siempre me ha parecido de vital importancia que una hermosa historia este situada en el lugar correcto. 

Dicho esto, A la luna de Valencia es la segunda gran sorpresa que me llevo al nadar en el azar de la selva de Amazon (mi otro descubrimiento fue Mente), donde a veces es complicado obtener una obra de la calidad destacable de esta obra y, sobre todo, su originalidad que es algo muy valorado en la literatura repetitiva de hoy en día. 

Desde aqui, de escritora a escritora, quiero dar mis más sinceras felicitaciones a Gemma Jordán por su trabajo y por su esfuerzo. También le envío mis mejores deseos en este viaje literario. Esperamos leerte mucho más, querida.

Felices Letras.

Podéis comprar aquí el ebook de A la luna de Valencia

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#CINE: Todos están muertos, el Agorafobia de Elena Anaya // ****

Este curioso y original film, protagonizado por la hermosa y dulce Elena Anaya, no consiguió cuajar ni expandirse entre el público de nuesto país, después de haber ganado el Premio del Jurado a mejor actiz y mejor música en el Festival de Málaga. Resulta, pues extraño que un film de nuestro país, con un argumento tan original como el que presenta Todos están muertos haya pasado con más pena que gloria.

Se nos presenta la historia de Lupe, una exitosa cantante de rock que debido a la brutal muerte de su hermano, vive recluída en su casa presa de una extrema Agorafobia. No es capaz de cuidar de sí misma, ni de su hijo adolescente; por lo que es su madre la que lleva la rienda de la familia. Ésta, cansada de ver a Lupe enterrada en vida, decide traer a Diego, el hermano fallecido, de entre los muertos, para que consiga sacar a nuestra protagonista de su encerramiento.

La película, que es cierto que se sale de lo común, y se trata de un film inde de bajo presupuesto por excelencia (que, con toda seguridad, si tuviera en sello Estadounidense arrasaría en nuestra comunidad hisper), nos desvela a la par tres historias paralelas: La de Lupe junto a su hermano recluídos en casa, la de su hijo adolescente y su relación de amistad con un nuevo compañero en el instituto que desea conocer a la estrella de rock, y la de la abuela.

El guión no es demasiado extenso. La interpretación se basa más en miradas, en gestos, en un teatro más corporal (y excelente, realmente, exelente). La música, por supuesto, juega un papel trascendetal, y podremos deleitarnos de canciones pegadizas, profundas rítimas, a juego con la evolución de la trama. Y, para los fans, la aclamada Macarena Gracía tiene un papel secundario en la película que no tiene desperdicio.

La recomiendo insistemente. Sería bueno que los cinéfilos de España aprendieran a apreciar el arme de nuestros directores/as y actores/riz. Con grandes joyas cinematográficas como esta.

LO MEJOR: Sin duda, la interpretación de Elena Anaya

LO PEOR: El rol de la abuela no termina de cuajar.

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#LITERATURA: FAHRENHEIT 451, la temperatura a la que arden los libros / ****1/5

Uno de los clásicos más conocidos y re-conocidos de la literatura moderna. En la línea de las utopías (y distopías), Ray Bradbury, que, como el mismo cuenta en el prólogo de la obra, tuvo que enfrentarse a todo tipo de adversidades, desprecios y problemas económicos para que dicha magistral novela llegase a nuestros días, nos muestra una sociedad futurista y alternativa a la nuestra: Los libros están prohibidos.

El protagonista es el empático anti-héroe llamado Guy Montag. Es un ciudadano modélico, con una casa bonita, con una esposa perfecta y uno de los trabajos más reconocidos de dicha socidad, ser bombero. Ahora bien, ser bombero en el mundo de Bradbury es diferente al concepto actual. Los bomberos se dedicaban a quemar los libros. 

La simplicidad con la que está narrada, oculta tras largos diálogos (primero con el jefe del cuerpo de bomberos, y después con un profesor de Universidad) ideas harto complejas e interesantes, cargadas de contenido y crítica social. Utiliza la exageración de conductas extrañas en los personajes secundarios para reflejar la robótica y deshumanización de la sociedad de entonces, sumida en una nube de felicidad falsa y trágica. Casi tétrica.  Montag escapa de su "hechizo" al conocer a Clarisse, una peculiar joven que comienza a hacerle preguntas. Este hecho, unido al suicidio de una mujer mientras quemaban sus libros, provoca un cambio radical que Montag, a partir del cuál se desarrolla el corazón del libro.

Fahrenheit está adaptada al cine, en un filme bastante curioso, aunque no fiel al 100% a la novela. No obstante, y a pesar de su antigüedad, resulta un imprescindible que todo cinéfilo, literata o no, debería de ver.

Montag y Clarisse

LO MEJOR: Su desbordante originalidad.

LO PEOR: Un final exageradamente dramatizado.

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